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La segunda edición de Pastel Live arranca con participantes de quince países de todo el mundo. Pastel Live es el evento de cuatro días de duración dedicado íntegramente al pastel, que cuenta con un plantel de más de treinta artistas de renombre internacional.
El corazón palpitante en torno al cual gira el universo Pastel Live es, como siempre, el ecléctico Eric Rhoads, apoyado por el prodigioso equipo de Streamline Publishing, siempre dispuesto a ayudar al público con cualquier tipo de problema.
Este año, además de Eric Rhoads, hizo los honores Gail Sibley: artista, profesora y, sobre todo, editora jefe de Pastel.Today: el nuevo canal dedicado por completo al arte del pastel.
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Gran amante de las atmósferas nocturnas, fue Doug Dawson quien entró en la muestra con un paisaje urbano al atardecer, en el que recreaba la ilusión de la noche.
Según Doug Dawson, el pastel es el medio más útil y versátil para acercarse a los colores y a su armonía, comenzando quizá con una paleta limitada que permita conocer a fondo los colores y sus reglas. Estudiar el pastel y aprender a manejar su estratificación es también una herramienta útil para aplicar a otras técnicas artísticas, como el óleo, por lo que la demostración de Dawson es útil para todos los medios artísticos. Antes de emprender la demostración, el artista realizó un pequeño boceto inicial en el que evaluó la armonía de los colores que perseguía para la pintura en la hoja.
Hoja que previamente había cubierto con tres capas de yeso. Un material que elabora personalmente según su propia receta y que comparte generosamente con el público. La razón por la que prepara la hoja es la necesidad de «matar la superficie», como dice el artista. Abordar la pintura de una escena nocturna, según Dawson, supone aceptar ciertos «postulados» que sirven para representar con veracidad las luces y las formas en la noche, y que se refieren a: la existencia de un halo que rodea a cada cuerpo y que permanece inalterable cuando cambia la luz; el aumento de las distancias que disminuye la definición de las imágenes, es decir: al aumentar la profundidad, se pierden los detalles, los bordes y las formas se suavizan, el color se vuelve más frío y gris, y el contraste entre los valores disminuye. Según Dawson, para crear un paisaje nocturno veraz, es necesario mantener un fondo cinco veces más oscuro que las sombras en la luz porque, según Dawson: «El arte es básicamente ruido exagerado» y corresponde al artista poner en orden este ruido
En el límite entre el realismo y el hiperrealismo se encuentra el retrato creado por la artista y profesora escocesa Lynn Howard, que trabaja principalmente con pasteles a lápiz. La filosofía con la que Howard aborda el arte parte de la importancia de la observación: «Es muy importante aprender a ver con los ojos adecuados», dice el artista, que recomienda entrecerrar los ojos todo lo posible para enfocar todos los matices tonales del rostro. Si basó su elección de los tonos de piel en el tono del papel, captó todos los matices del rostro analizando los planos de la cabeza.
«Todos los artistas cometen errores, incluso los más experimentados», dijo el artista, que insistió, en particular, en la importancia de reconocer y saber corregir los propios errores, interviniendo en las proporciones del rostro y en los ajustes de transición de la piel, en los que se alternan los bordes suaves con los duros, en un continuo ir y venir. Además de mantener un tono de tez más oscuro que el original, para evitar el efecto de palidez del rostro, el artista reiteró, como también enseña a sus alumnos en la Universidad de Strathclyde, la importancia de dibujar del natural porque sólo observando la realidad podemos sensibilizar nuestra mente y trasladar el carácter del sujeto a su retrato.
El gesto y el signo son los rasgos distintivos del estilo de Jen Evenhus, que declara: «Mi estilo reside en la belleza de la imperfección». Una frase que también representa su forma de pintar, hecha de gestos amplios y virtuosos en los que el color se aplica ejerciendo una presión fuerte y decisiva con los lados angulosos de los lápices de colores, con los que crea bordes afilados y angulosos en una continua búsqueda de definición y redefinición de las formas. Sobre esta forma de utilizar el pastel, el artista dice: «No tengas miedo de hacer trazos al pastel: ten confianza, te llevarán lejos». Para la sesión de demostración, retrató uno de sus temas favoritos: los rábanos. Un tema decididamente cautivador sobre todo por el uso del color rojo, que literalmente estalla sobre la hoja que ha trabajado previamente, creando una pintura de fondo. El rojo es un color que normalmente tiende a asustar a los artistas, pero que Evenhus sugiere utilizar sin reservas ni temores, simplemente divirtiéndose e inspirándose en lo inesperado. En sus cuadros, sobre todo en la primera parte, reina el caos y es a partir del caos que el artista descarga y canaliza sus energías. Para crear texturas interesantes, Evenhus recurre a dos herramientas particulares: las púas de un peine y una ramita, recogida durante un verano que pasó en Maine. Con estas dos herramientas tan sencillas y comunes, arrastra el color rompiendo los bordes compositivos. Un factor importante en el que Evenhus hace especial hincapié es el relleno de los espacios negativos al final de la composición, lo que hace que la composición adquiera toda su tridimensionalidad
¿Qué tienen en común Rita Kirkaman y Alberto Durero? Sin duda, una pasión por los conejos. De hecho, uno de los cuadros más famosos del pintor renacentista, que se encuentra en el Museo Albertina de Viena, representa un conejo. Un tema que también le gusta representar a la artista Rita Kirkaman y que propuso para la demostración de Pastel Live. Partiendo de una interesante imprimación que precede a la aplicación final del pastel, Kirkman superpuso inicialmente tres capas diferentes del fino gel pómez de Golden, con el que definió las formas del conejo, ofreciendo, ya en este nivel, la posibilidad de ver los volúmenes del animal tridimensionalmente. A continuación, acentuó esta distinción con la ayuda de una imprimación de color terracota con la que distinguió los tonos oscuros, los semitonos y los reflejos. Kirkman se considera una «adicta a las imprimaciones» porque, en su opinión, son capaces de reforzar la arenisca de la pintura y de proporcionar «arenisca y una cobertura impresionante».
Después de que la imprimación se secara casi inmediatamente, aplicó los colores al pastel con referencia a la imagen fotográfica, que también se convierte, gracias a Photoshop, en tonos de gris, pudiendo así percibir todas las variaciones tonales de la composición. «Puedes ignorar los colores, que siempre son relativos, para concentrarte en los valores tonales y la temperatura, que son la base de una composición exitosa», dijo el artista. Un personaje amable y extremadamente organizado, Kirkman ha mostrado cómo tiende a romper todas esas reglas de empezar con los tonos más oscuros y luego derivar a los más claros, y viceversa. En la composición al pastel, de hecho, ha establecido lo más oscuro y lo más claro al mismo tiempo y luego ha trabajado en los semitonos para afinar la armonía de la composición
Descrita como «la joya de Palo Duro», Bethany Fields pintó un extracto del paisaje del gigantesco Cañón de Palo Duro, en Texas, donde reside y que le permitió explorar la belleza de la naturaleza en todas sus formas. Aunque el cuadro es un paisaje, la atención de Fields se centró principalmente en el cielo, que funciona como un espejo y del que dice: «Las nubes tienen su propia forma, como los árboles. Un cielo que, de niña, dijo que siempre representaba de color naranja. Fue al afinar su sensibilidad artística cuando captó la multiplicidad de matices que, en conjunto, contribuyen a la plenitud de la imagen. Según Fields, la representación artística de un paisaje estimula la capacidad de resolución de problemas, que también es indispensable en los problemas cotidianos. Aunque utiliza una paleta de colores variada, su color favorito es el azul, que utiliza en mil tonalidades diferentes, aunque entre sus preferidos están el Best of the Blues de Terry Ludwig y el Beacon Blue de Great American.
Su forma de pintar es un continuo ir y venir, también gracias al uso de alcohol y un pincel de abanico, con el que amalgama los colores. Después de pintar las formas grandes, pasa a las pequeñas y, sobre todo al final de la composición, extiende unos pequeños toques de pastel aquí y allá, sin ejercer ninguna presión, con los que acentúa la atmósfera. Una característica de la artista es su formación en fotografía, que con el tiempo la ha llevado a tomar fotografías con un iPhone de las que recorta los detalles, porque, como dice la artista: «No hay que tener miedo a cortar y recortar zonas de la obra si no sirven al cuadro».
La última demostración del día corrió a cargo del artista fotorrealista neozelandés Michael Freeman, que creó una extraordinaria obra de naturaleza muerta en la que representaba un tema muy sencillo: las manzanas.
A la demostración propiamente dicha, el artista anticipó una extraordinaria lección técnica en la que desveló paso a paso todos los pasos necesarios para la creación de un dibujo fotorrealista en el que: «El objetivo es conseguir una buena transición de colores cambiantes», dijo Freeman. A continuación, pasó por todas las etapas de realización: desde la selección de la imagen, pasando por el rayado y la reproducción fiel de la fotografía en la hoja, hasta la selección de los colores y su amalgama hasta crear un continuo en la percepción de las variaciones tonales, sin olvidar la creación del fondo que permite que los objetos emerjan de la hoja y el aseguramiento de la obra terminada y lista para ser enviada al comprador.
Freeman afirmó que el pastel es un medio excepcional para la pintura fotorrealista porque permite niveles de profundidad y representación con un efecto WOW que la mayoría de las veces hace que el espectador se pregunte si es realmente una pintura o más bien una fotografía. El artista también admitió que hacer cuadros fotorrealistas requiere mucho esfuerzo en términos de dedicación, tiempo y paciencia debido a la atención al detalle que implica este género. Sin embargo, el nivel de detalle según Freeman queda a discreción del artista que, sobre todo al principio, debe elegir representar un objeto que le guste y le intrigue.
Entre los patrocinadores de la jornada, Jean Stern habló de la importancia histórica de LPAPA -Laguna Plein Air Painting Association- y especialmente de su relevancia en el tejido social contemporáneo con la mirada puesta en los niños y su educación. Para unirse a la LPAPA y beneficiarse de todas las actividades organizadas por la sociedad histórica, no es necesario residir en California, sino que basta con hacer clic en el siguiente enlace: https://lpapa.org/join/
Entre los artistas del día, la talentosa Susan Kuznitsky, que deleitó al público en la edición anterior, fue la protagonista de dos demostraciones diferentes para los patrocinadores platino del evento: Blick Art Materials y Savoir Faire.
Fueron muchas las formas de abordar el pastel que se desvelaron en la primera jornada de Pastel Live: mil combinaciones diferentes que pusieron de manifiesto las peculiaridades de este medio tan vibrante y versátil como sorprendente, y muchas más se sucederán en los dos próximos días de la convención.
Un recordatorio amistoso: tras el emocionante evento de este año en Santa Fe, NM, el personal de Streamline Publishing recuerda a todos los asistentes que la próxima PACE -Convención y Exposición Aérea- se celebrará en Denver, CO, del 20 al 25 de mayo… la inscripción está abierta y las plazas son limitadas: apúntate.
(on the title the fabulous photorealistic work of Michael Freeman)
