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Eric Rhoads y Gail Sibley son un par de presentadores apasionantes que lograron captar toda la simpatía del público durante los tres días de la convención. La versatilidad de Eric Rhoads, un experimentado animador con grandes cualidades empresariales, estuvo bien acompañada por la espontaneidad y el entusiasmo de Gail Sibley, redactora jefe de Pastel Today, que completó su primera experiencia como copresentadora del evento.
Fue Pierre Guidetti, rostro conocido de Savoir Faire, uno de los patrocinadores platino del evento, quien abrió la tercera y última jornada de la segunda edición de Pastel Live: el evento enteramente dedicado al pastel y declinado en todas sus expresiones artísticas.
Lo hizo como es habitual en su estilo, con una interesante conferencia en la que trató el origen y la geografía de los colores, incluidos los preciosos ocres y el lapislázuli. Además de ser un gran orador, Pierre Guidetti es también embajador de marcas históricas que han hecho de la calidad de los materiales artísticos que producen su misión en la vida. Entre ellas, Fabriano, Cretacolor y, sobre todo, Sennelier, con quien inició la aventura del Savoir Faire en América hace cuarenta años.
Basándose en sus amplios conocimientos técnicos, Guidetti también respondió a las preguntas de los asistentes impartiendo consejos prácticos a los participantes, que sabían que siempre podían contar con su valiosa información técnica, calibrada con el suficiente tecnicismo para ayudarles a comprender mejor las funciones de los distintos materiales
Las sesiones de demostración entraron en pleno apogeo con la artista canadiense Susan Godbout, que creó una obra de naturaleza muerta del natural. En la creación de la escena, consistente en un frutero de cobre con ciruelas y colocado sobre un paño de cocina de algodón, el artista consiguió captar todas las diferentes reacciones de los materiales al reflejo de la luz en las superficies. Reflejo que, como es sabido, se define por reglas precisas que el artista ha perfeccionado a lo largo del tiempo gracias exclusivamente a la representación de objetos del natural. «Pintar del natural es muy diferente a representar imágenes fotográficas. Después de sólo 30 minutos, puedes empezar a ver mucho más de lo que una fotografía puede mostrar», dijo el artista.
La búsqueda de la luz, que emerge lentamente de la textura de los diferentes materiales, es también el mismo motivo que impulsa al artista canadiense a pintar sus temas en vivo.
Antes de realizar el dibujo al pastel, Goudbout se centró en la importancia de las líneas en la construcción de la composición. Las líneas se distinguen por su función: las verticales y horizontales ayudan a dar solidez a la composición; las diagonales dirigen la mirada del espectador hacia el tema y las curvas aportan la fantasía necesaria a la percepción del cuadro. Una vez establecidos los fundamentos del dibujo, Godbout organiza los colores por valores tonales.
Los cuadros de Goudbout se caracterizan por la presencia de pequeñas zonas de intenso color cálido -generalmente rojo o naranja- que el artista extiende exclusivamente con pasteles suaves. «Los pasteles suaves ofrecen una experiencia especial porque permiten transiciones de color y texturas más delicadas», afirma el artista, que hace hincapié en los puntos de luz para plasmar mejor la percepción del metal.
Karen Margulis, artista originaria de Georgia, es conocida en el mundo del arte por su notable capacidad para hacer que el arte sea sencillo y accesible para cualquiera. El ejemplo práctico fue la demostración de hoy, durante la cual proporcionó información detallada sobre cómo abordar su técnica artística. Una técnica especial que también ha utilizado en la demostración de hoy, en la que ha representado uno de sus temas favoritos: flores blancas sobre el fondo de un paisaje marino. Margulis realizó la composición a partir de una vibrante acuarela de fondo: una verdadera pintura vibrante con la que realizó el dibujo aplicando grandes masas de color. «La acuarela es la parte más divertida y mágica del proceso artístico porque ofrece un efecto completamente diferente y me permite conectar todos los puntos de la narrativa pictórica. La imprevisibilidad que caracteriza al medio también ofrece interesantes florituras en la composición», dijo el artista. Margulis suele dedicar mucho más tiempo a la pintura de fondo que al acabado de la composición al pastel, porque, como ella misma dice: «una pintura de fondo bien ejecutada ofrece resultados garantizados». Además, le encanta el efecto de la pintura inferior en la composición final, por lo que la deja ver en el papel. Su proceso artístico requiere, sin embargo, una serie de trucos especiales, en primer lugar el uso de un soporte de papel adecuado capaz de soportar las múltiples capas sucesivas de pastel en las que la artista busca el ritmo compositivo que orquesta el conjunto de los elementos.
Sin embargo, al ilustrar su proceso, Margulis subrayó que en realidad no hay una forma correcta o incorrecta de proceder en el proceso de composición, sino que, como en todas las cosas, es necesario atreverse y experimentar, incluso con el uso de colores oscuros, que la mayoría de las veces intimidan, pero que permiten establecer todos los demás valores en consecuencia.
La belleza de las sesiones de demostración reside también en las diferencias de estilo de los artistas y su acercamiento al público. Algunas personas están dotadas de una gran capacidad de comunicación verbal, mientras que otras prefieren dejar que la composición hable por ellas, limitándose a aclarar los puntos esenciales del proceso compositivo. Richard Wilson, un hombre de gran sensibilidad artística y humana, se encuentra entre estos últimos.
En Miami Niche le entrevistamos en exclusiva para Realism.Today y puedes leer la entrevista en el siguiente enlace: https://realismtoday.com/pastel-painting-between-dreams-and-fulfillment/
Para la sesión de demostración, Wilson dibujó un escorzo de un magnífico paisaje fluvial boscoso en el que se ve una figura: es una de las tres hijas del artista que suele representar en sus cuadros de paisaje. Al dibujar el cuadro, el artista se ha ayudado de una retícula compositiva: un medio que recomienda, sobre todo a quienes se acercan a la pintura de paisaje por primera vez, y que permite no perder de vista la composición de la sección en relación con el cuadro global. En la elaboración del pastel, el artista partía, en cambio, de las grandes formas de color en las que trabajaba por secciones, logrando, para cada una de ellas, discretos niveles de detalle a partir de los cuales avanzaba progresivamente hasta completar el cuadro en su conjunto. La definición del cielo, que también procede por formas negativas a través del majestuoso árbol que domina la escena -que consigue aplicando cinco capas de color-, junto con el efecto de la luz sobre el follaje y los reflejos de la naturaleza en el agua, llevan la composición a un nivel superior de representación que permite al espectador sumergirse plenamente en la naturaleza del paisaje. El artista suele amalgamar los colores con un simple carboncillo, que mueve según el ritmo natural de los elementos compositivos.
«Me encanta enseñar de forma divertida», dijo la artista Brenda Boylan, cuya risa sonora la convierte en un personaje soleado, al igual que los tonos de amarillo utilizados en la composición. La artista, galardonada con la «Eminent Pastelist Designation» de la Pastel Society of America, creó el fragmento de una vid en Portland, Oregón, utilizando la referencia fotográfica y centrándose en el juego de luces y sombras. Una obra que el artista representó de forma particular seleccionando diferentes tonos de sólo dos colores para el bloqueo de las masas: cuatro tonos de amarillo para las zonas claras y cuatro tonos de azul para las zonas oscuras. Tonos que luego mezcló con alcohol desnaturalizado, manteniendo viva la división del color y evitando así que los colores se mezclaran en las posteriores fases de estratificación del pastel. «Todo lo que está afectado por el sol tendrá un valor más claro que lo que está en la sombra», dijo la artista para explicar su proceso de pensamiento, el mismo con el que luego aplicó múltiples capas de color que resaltaron la compasión de forma tridimensional. El enfoque de Boylan fue muy especial, tanto por la inusual elección de centrar la atención del espectador en los lados de la hoja -en lugar de en la parte central, como suele ser el caso- como por la capacidad del artista de trasladar la imagen mental a la hoja a partir de la aplicación inicial de sólo dos colores. Un enfoque que, por un lado, puede facilitar al observador la redacción de los valores tonales y, por otro, puede crear algunos problemas a quienes no poseen la capacidad de Boylan para ver la obra en su totalidad. Un problema este último, sin embargo, que el artista ha resuelto amablemente aconsejándonos que pensemos en la creación de la composición como la composición de un árbol.
Ya protagonista, durante la jornada para principiantes, de una sesión de demostración enteramente dedicada a los materiales, la artista australiana Lyn Diefenbach creó una composición de una flor emblemática: la Strelitzia, también conocida comúnmente como Ave del Paraíso.
No se trata de una elección al azar, sino que distingue las obras creadas por Diefenbach que, con treinta años de experiencia a sus espaldas, ha ganado prestigiosos premios precisamente por la realización magistral de sus temas cuidadosamente elegidos.
El artista, que se apoyó en un cuadrado no detallado para la ejecución del dibujo, comenzó la demostración dibujando el fondo en negativo, cuidando de girar la paleta de hojas innumerables veces para permitir que los pigmentos entraran en las fibras que componen el papel. Para crear la profundidad del fondo, utilizó dos colores: el verde oscuro y el rojo oscuro, cuya combinación dio como resultado un color más profundo que el negro. A continuación, superpuso la multitud de matices que componen la flor, variando su temperatura cromática, mezclándolos y realizando pequeñas transacciones tonales que permitieron alcanzar la perfecta armonía cromática inherente a la naturaleza de la flor.
Una demostración sublime que captó el entusiasmo del público también gracias a la capacidad del artista para plasmar con realismo tanto las gotas de rocío, captadas por pequeñas manchas de color, como la estructura botánica de la flor, obtenida mediante la mezcla de los valores cromáticos de los pétalos con el pastel de color crema. Una combinación de factores con la que también destacó la extraña forma de la flor.
Albert Handell could only be, to quote a phrase from artist Lyn Diefenbach, «the perfect conclusion to a perfect event.»
Albert Handell sólo podía ser, citando una frase de la artista Lyn Diefenbach: «la conclusión perfecta de un evento perfecto».
Leyenda viva del mundo del pastel, Albert Handell tiene una sencillez desarmante tanto en su forma de ser como en la manera de impartir consejos que son todo menos obvios. El mérito es sin duda de sus cincuenta años de experiencia en el mundo del pastel. Un factor que con el tiempo, y a diferencia de todos los demás artistas, le ha permitido no tener que «organizar» la caja de colores por valores tonales o cromáticos.
En su demostración, Handell fue un torrente de información: todo igual de importante, girando en torno al mundo del arte pero empujando al oyente a ir más allá. para la realización de su sesión de demostración, representó su tema favorito: los árboles. Un tema que a Handell le gusta especialmente y que dice haber empezado a estudiar en los años 70 y que todavía, décadas después, le emociona tanto en el movimiento en espiral del follaje -que implica la aplicación de los principios de la perspectiva y la concepción del ritmo, que según el artista habita en cada uno de los elementos de la naturaleza- como en la estructura de una simple ramita subtendida por las leyes que rigen la dirección de la luz.
Uno se pasaría horas escuchando las conferencias de Albert Handell y llenaría cuadernos si llevara la cuenta de sus apuntes entre los que mencionaba: la importancia de los bordes perdidos y encontrados (sobre todo en los paisajes); la presión ejercida sobre el pastel (que debe ser tan ligera como la de una mariposa o tan aguda como la de una abeja); la importancia de ciertos detalles compositivos (que tienen su propio ritmo desarrollado a partir del de la composición). Pero la grandeza de Albert Handell reside también en la sencillez con la que resume los conceptos fundamentales que le inspiraron tanto en la vida como en el arte, y que se pueden resumir en la famosa frase de Mohammed Ali: «Flota como una mariposa». Pica como una abeja. No puedes golpear lo que tus ojos no ven’ (‘Fly like a butterfly. Pica como una abeja. No puedes golpear lo que tus ojos no ven”).
La tercera jornada de Pastel Live llega hoy a su fin y esperamos verle el año que viene en la tercera edición del evento, que será en línea del 17 al 19 de agosto de 2023, con la jornada opcional previa al evento (16 de agosto). El equipo de Streamile Publishing espera verte allí y con el mismo entusiasmo de siempre, pero mientras tanto te esperamos en el próximo evento: Realism Live, que será online del 8 al 11 de noviembre: el cartel ya está repleto de eventos, no te lo pierdas.
(on the title: Albert Handell and his final work demonstration)
