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Además de la maravillosa oferta de sesiones de demostración, el segundo día de Realism Live celebró la entrega del prestigioso premio Achievemet de Fine Art Connoisseur Magazine, 2022: el premio instituido con motivo de FACE -Figurative Art Convention and Expo- que fue entregado a Juliette Aristides.
La artista, que agradeció emocionada al público y a los organizadores del acto, dedicó simbólicamente el premio a todos los que en los últimos años, como ella, se han esforzado por invertir en la belleza del arte en una sociedad que parece más entregada al culto a la tecnología y a la inmediatez de los resultados que al desarrollo interior. Estas características se adaptan poco a la investigación interior que anhela el arte, permitiendo afinar no sólo la capacidad de observación y reflexión, sino también aumentar el grado de sensibilidad personal. hacia la belleza del mundo en todas sus expresiones.
Una tarea que, sin embargo, no parece haber desmotivado a Arístides que, para ofrecer su contribución a la sociedad, decidió perseguir la belleza del arte a través de la enseñanza de principios universales, para lo cual fundó el Atelier Classico en la Gage Academy of Fine Art de Seattle, WA, donde imparte clases.
El reconocimiento de Juliette Aristides se debe no sólo a los numerosos premios a su carrera, totalmente dedicada al estudio y a la enseñanza, sino también a la difusión de sus numerosos libros, hechos accesibles y asequibles para todos. Entre los premios más importantes recibidos por Arístides, que también ha sido beneficiario de la Fundación Elizabeth Greenshields, se encuentra la designación de Maestro Viviente por el ARC, Centro de Renovación del Arte: el más alto honor del mundo para el realismo en todas sus formas.
Además de recibir el premio, Arístides produjo excepcionalmente para Realismo Vivo una pintura figurativa basada en principios clásicos que proceden de la realización de grandes formas a la definición de detalles. Disponiendo de poco tiempo y para acelerar el proceso experimentando con un medio innovador, creó una figura al óleo, rodeada de un fondo plano realizado con grandes pinceladas de carbón líquido: un medio versátil -y visualmente no invasivo- que permite aflorar toda la belleza del sujeto representado. Un proceso de construcción que puede resultar difícil para quienes no posean los conocimientos básicos necesarios para comprobar continuamente las medidas y proporciones para garantizar el éxito del dibujo, pero que con la práctica y la constancia puede conducir a resultados excelentes.
Además de la persona, la sensibilidad de Arístides también es inherente a los consejos que ofrecía con sencillez a los participantes, invitándoles a establecer una relación personal con el modelo que posa, para establecer un contacto humano que trascienda la función de la persona como objeto. «El mundo actual se está desacostumbrando a este tipo de atención que marca la diferencia», dijo el artista, que pidió más apoyo cultural para la sociedad.
La jornada de formación comenzó con una demostración del artista Zhenya Gershman, embajador artístico de Royal Talent y Blick Art Materials, patrocinadores de platino del evento.
Las sesiones de demostración de los patrocinadores, presentadas durante las convenciones de Streamline Publishing, son momentos especialmente estimulantes, tanto porque muestran las últimas innovaciones del mercado, como porque los patrocinadores, además de ofrecer seminarios técnicos en profundidad, a menudo se apoyan en las demostraciones de artistas consagrados que dispensan trucos y astucias. Este fue el caso de Zhenya Gershman que, utilizando pinceles Princeton y óleos Rembrandt, hizo una demostración centrada en la construcción realista del ojo. La artista, afincada en Los Ángeles, es conocida por los grandes lienzos al óleo que crea utilizando diferentes herramientas, como la que propuso en el seminario de ayer: los contornos catalizadores y las cuñas de Princeton, con los que creó interesantes texturas.
Entre los colores favoritos de Gershman, que dice estar locamente enamorado de la pintura al óleo, está el Caput Mortuum (cabeza muerta) de Rembrandt. Un color también conocido como púrpura cardenalicio, y que debe su nombre -probablemente de origen alquímico- al residuo debido a la oxidación del elemento.
Inspirada en sus estudios de Rembrandt, su pintor favorito, Gershman afirma que el secreto de un buen cuadro reside en el uso correcto del color, que utiliza translúcido para las zonas de sombra y denso para resaltar las zonas más brillantes.
Fue Eric Rhoads quien presentó a Ned Mueller: maestro de la American Impressionist Society y de la Oil Painters of America, y sobre todo gran amigo y mentor de Eric Rhoads en sus primeras sesiones de plein air.
Ned Mueller es un artista con sesenta y cinco años de experiencia a sus espaldas que le han hecho «fuerte» en la representación de todos los temas: desde retratos a figuras, desde animales a paisajes.
Dicho esto, Mueller confesó divertirse mucho en la realización de retratos en vivo en carboncillo, por lo que, para el evento, creó un retrato de su amigo -y artista- Robert Johns. Una persona a la que el artista confesó conocer bien hasta el punto de ser de los pocos que lo distinguen de su hermano gemelo homocigótico: un mérito debido a la capacidad de observación madurada a lo largo de los años también gracias a su trabajo en el campo de la ilustración: de hecho, fue asesor de Walt Disney Imagineerin.
Además de reiterar la importancia de experimentar con los materiales para encontrar los más adecuados a las necesidades de cada uno, Mueller subrayó que en el dibujo -que para el artista equivale a la pintura- es importante la regla de las «tres P»: paciencia, perseverancia y práctica. «En el arte, el único secreto es la práctica. De este modo podemos creer en la habilidad que desarrolla nuestro ojo», dijo el artista, que no toma medidas durante el proceso de composición, orquestando los valores tonales en un continuo ir y venir y tratando los planos de la cabeza como elementos compositivos individuales. «Tanto en el dibujo como en la pintura podemos cambiarlo todo, porque podemos ajustar los valores tonales y hacer los bordes más o menos suaves», dijo el artista, cuyo resultado fue un retrato fresco, suelto y preciso que sacó a relucir la esencia y el carácter del sujeto.
«Primero los valores, luego los colores» es el mantra de John Pototchnik: un famoso pintor de paisajes nacido en Inglaterra que creció en América y es especialmente famoso por sus estudios sobre el uso de una paleta limitada con la que desarrollar una cantidad ilimitada de colores.
Para la demostración, en la que, como es habitual, dedicó mucho tiempo al trabajo preliminar, utilizó una sutil pintura de fondo en una escala tonal monocromática, compuesta por cinco valores de gris, sobre la que luego extendió una limitada paleta de colores. «Si se aprende a hacer un buen dibujo en blanco y negro, luego se podrá hacer un mejor trabajo con el color», dijo el artista, que garantizó resultados para todos los que sigan el método impartido durante la demostración. Un método que también ayuda mucho en el estudio de la armonía del color y que un participante describió como: «revolucionario y capaz de transformar totalmente el estudio de los valores tonales y cromáticos».
La sesión impartida por Peter Trippi, redactor jefe de Fine Art Connoisseur Magazine, crítico de arte y copresentador de Realism Live, fue una conversación informal en compañía de personas que han hecho grandes aportaciones al mundo del realismo contemporáneo. El crítico, en compañía de Leona, Alexander y Annalisa Shanks, -respectivamente: la esposa y cofundadora, junto a su marido en 2002, del prestigioso Studio Incamminati de Filadelfia, y el hijo y la hija de Nelson Shanks, también alumnos de la institución- crearon una sesión de celebración muy poética en la que junto a algunas obras emblemáticas del artista, fallecido en 2015, mostraron trabajos personales que mantienen vivo el legado de Nelson Shanks y sus enseñanzas.
Al motivar las elecciones estilísticas del artista, los miembros de la familia destacaron su excepcional calibre técnico basado en las formas y los colores y su particular visión del arte, para la que sostenía: «Si quieres equivocarte, hazlo a lo grande». Un momento realmente íntimo y emotivo que los participantes recordarán durante mucho tiempo. El Studio Incamminati, con sede en Filadelfia y acreditado por la Asociación Nacional de Escuelas de Arte y Diseño, representa la excelencia en el mundo del realismo tradicional y contemporáneo, y puede consultar el programa de formación y las actividades propuestas tecleando lo siguiente link: https://studioincamminati.edu
Maestro indiscutible de los métodos renacentistas, Michael Mentler es también conocido como «el Leonardo contemporáneo». Además de realizar una demostración con pinturas al óleo Sennelier para Savoir-Faire, patrocinador de platino del evento, el artista creó una sesión de demostración al estilo renacentista.
Tomando como referencia un retrato al óleo del pasado, fruto de su imaginación, quiso reinterpretar la figura utilizando un medio artístico muy fascinante: la sanguina. Un medio que tuvo su apogeo durante el Renacimiento y que recientemente ha vuelto a ponerse de moda por el encanto dramático y atemporal que confiere al dibujo. En particular, Mentler utilizaba diferentes calidades de sanguina, que variaba según las necesidades del trazo, más o menos oscura y más o menos dura. Para los trazos más duros utilizaba la PIPO, la auténtica tiza de dibujo del Renacimiento, que tiene una mayor dureza que la sanguina.
La clave para entender la ejecución de la pintura creada por Mentler con una maestría sin parangón fue la alternancia de múltiples capas de aguafuerte, dispuestas en escala tonal, correspondientes a la estructura anatómica, alternando con el sombreado, ejecutado con pincel, gamuza y goma de borrar, del que obtuvo los tonos claros, acentuados por el uso del pastel blanco aplicado con pincel. Mentler, que ha sido descrito por el maestro Ned Mueller como: «un maestro de la animación de cabezas», afirmaba que para realizar un dibujo realista y natural es necesario seguir el ritmo compositivo de la imagen.
Dustin Van Wechel, se encuentra entre los más grandes artistas norteamericanos de animales, y ha sido uno de los favoritos del público, tanto por el tipo de tema representado como por la elección compositiva. El artista eligió una referencia fotográfica que tomó personalmente en uno de sus viajes específicos a lugares como Montana, Wyoming, Colorado, Alaska y Canadá, que son ricos en animales en estado salvaje. Eligió una cabra montesa blanca: una elección deliberada para permitirle destacar la recepción de colores en el pelaje del animal en relación con su entorno. De hecho, el blanco es uno de los tipos de capa más difíciles de manejar debido a los miles de matices tonales y cromáticos que conlleva. Durante la demostración, el artista se centró en dos elementos indispensables en la representación del pelaje de los animales: la dirección de la pincelada, que debe ser abigarrada, y la consistencia dada con pequeños toques de color que siguen el volumen del animal y que aplica muy finamente en las primeras capas para terminar con una pequeña espátula. El uso de capas ligeras de color permite desarrollar la profundidad del pelaje, lo que es esencial para la representación realista final del animal. Señalando la importancia de variar la temperatura tonal y cromática y la dirección de la pincelada, recomendaba utilizar diferentes pinceles según el tipo de pelaje del animal, más o menos suave.
La segunda jornada de Realismo en vivo se cerró con el anuncio de Acuarela en vivo, que estará en línea del 26 al 28 de enero de 2023 con un día opcional para principiantes el 25 de enero. Apúntate y sigue a Miami Niche para el tercer y último día de Realism Live.
(on the title: Juliette Aristides, the winner of the Fine Art Connoisseur Lifetime Achivement Award, 2022)
