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El entusiasmo del primer día de Pastel Live y la jornada para principiantes -para los que asistieron- fueron vigorizantes para lo que fue el segundo día de Pastel Live.
Abriendo el baile, en un sentido literal pero también físico -y los energéticos bailes de Eric Rhoads son una demostración de ello- están los anfitriones de Pastel Live: el infatigable Eric Rhoads y la apasionante Gail Sibley, editora en jefe de Pastel Today, el canal totalmente gratuito dedicado al pastel, al que le invitamos a suscribirse simplemente haciendo clic en el siguiente enlace : https://pasteltoday.com/newsletter/
«Cuando la gente se involucra socialmente, se mantiene joven durante más tiempo», dice Eric Rhoads sobre su intención de crear una Disneylandia para artistas.
De hecho, a través de los eventos organizados por Streamline Publishing -y realmente hay eventos para todos los gustos y en todas las épocas del año- la gente pinta en compañía, divirtiéndose y haciendo del mundo un lugar más agradable, porque es un hecho: «pintar hace a la gente mejor», dijo Eric Rhoads.
La jornada comenzó con una extraordinaria demostración floral a cargo de la artista ucraniana Vera Kavura: una artista de gran talento que está viviendo, junto a su pueblo, un periodo histórico verdaderamente dramático que esperamos que termine lo antes posible.
En la sesión de demostración, Vera Kavura creó una espléndida composición de Iris: una flor que es, por su propia naturaleza, muy interesante precisamente por la singularidad de las formas en zigzag que componen los pétalos y los colores conmovedores. Como señaló Kavura: el objetivo de la demostración no era crear una representación botánica, sino pintar una realización «jugando» con la naturaleza de la flor e interpretándola de forma totalmente subjetiva, destacando las características específicas que la distinguen de todas las demás. Para realizar el cuadro, trabajó con Pan Pastels, aplicados inicialmente con una esponja para hacer las grandes formas, y perfeccionados después con las herramientas originales PanPastel utilizadas para su aplicación, que le ayudan a extender los colores como si fueran pinceladas. Una vez definidas las grandes formas, creó los detalles, resaltando la flor en toda su ligereza natural, que se desprende sobre todo de la suave transición de los colores, en la que el juego de definición y transparencias hace que la singularidad de la flor sea perfecta. «Cuidar la representación de las características de la flor ayuda al observador a reconocerla y a apreciar más sus rasgos», dijo el artista, que dejó deliberadamente algunas partes de la hoja sin cubrir para crear el volumen de las formas. «La percepción intuitiva de la belleza forma parte de la naturaleza humana», dijo Kavura, que también insistió, sobre todo en la fase final de redefinición, en la importancia de aumentar los contrastes sin perder la saturación de los colores que resaltan la belleza de la flor.
Una obra maravillosa que, ojalá, sea un buen augurio para la paz de Ucrania.
Puede apoyar a Vera Kavura comprando el vídeo de demostración realizado por Streamline Publishing y disponible en el sitio en el siguiente enlace: https://painttube.tv/collections/pastel-live-store/products/vera-kavura-realistic-flowers-in-pastel
Los cuadros del artista británico Richard Suckling son un mosaico multicolor de signos caligráficos
En la sesión de demostración, el artista mostró cómo utilizar correctamente las referencias fotográficas representando un paisaje montañoso andaluz. Unas referencias fotográficas que, según Suckling, deben tener como objetivo la realización de un «instante fugaz» del paisaje y que, por tanto, sólo deben servir de punto de partida para lo que después será la personalización de la obra. En un principio, Suckling creó el diseño del paisaje utilizando una paleta de colores limitada para crear una composición básica sencilla e inmediata. A continuación, refiriéndose al patrón direccional del paisaje, aplicó trazos caligráficos vigorosos y potentes que hicieron resaltar el cuadro en toda su plenitud. El uso de trazos vigorosos, coloridos y magistralmente armonizados es típico del estilo del artista de mantener los colores fríos dominantes, dejando que los colores cálidos e intensos surjan en la composición poco a poco. «A menudo intento pintar al aire libre, porque me ayuda mucho a ver diferentes situaciones», dijo el artista que, sobre todo a la hora de definir los puntos de luz, insiste en la importancia de disponer los tonos de luz con conocimiento para evitar efectos desagradables: «Si pones demasiados puntos de luz, parecerá que has derramado un montón de harina», dijo el artista que completó la composición utilizando colores aleatorios para hacer la escena más interesante y espontánea.
Tiene un sabor romántico y melancólico, la obra de naturaleza muerta creada por la artista inglesa Michele Ashby, que dice amar profundamente el pastel por su simplicidad: «La magia del pastel viene del hecho de que puedes crear tanto con sólo un lápiz y una hoja de papel», dijo la artista.
Influenciada por su pasado como diseñadora gráfica y por la búsqueda de emociones entre los cajones de la memoria, Ashby optó por crear una composición muy sencilla y eficaz formada por unas tijeras desgastadas por el tiempo, una vieja tiza de sastre y una bobina de hilo de algodón. El corte fotográfico elegido por Ashby también amplía la belleza de la composición en la que el componente emocional juega un papel fundamental en la perfecta representación de los objetos desgastados por el tiempo. Con la paciencia y la habilidad para captar los detalles que requieren las naturalezas muertas, el artista ha destacado la importancia del reflejo de la luz en los objetos, que varía según el material del que estén hechos. Además, para evitar el gasto innecesario de dinero y tiempo, el artista instó al público a experimentar con los materiales del mercado, para encontrar los que mejor se adapten a las necesidades personales.
Además de los bordes suaves y duros que ayudan a la definición realista de los objetos, Ashby se centró en particular en algunos aspectos que ayudan más a la realización de una obra fotorrealista. Entre ellas se encuentran: la presión ejercida por la mano; la variación del ángulo del lápiz de cera; y la rotación de la mano al aplicar el color sobre el papel. «Todos estos son trucos que favorecen la correcta redacción de los colores y su mezcla», dijo el artista, que no siguió un orden preciso a la hora de crear la composición, trabajando en todos los elementos al mismo tiempo, que finalmente surgieron de forma armoniosa.
Una licenciatura en ciencias políticas fue secundaria para el artista de Colorado Bruce Gómez, que dejó su carrera para dedicarse a la pintura y creó un fragmento de un paisaje de montaña cerca de Telluride, CO, para la manifestación.
Antes de entrar en la realización de la composición, mostró a los participantes cómo, partiendo de una hoja de papel de acuarela prensado en frío, lijó enérgicamente la superficie de la hoja, con papel de lija de grano fino, hasta dejarla completamente lisa y suave.
Esta forma única de preparar el sustrato de papel permite que las fibras que lo componen soporten tanto la aplicación de múltiples capas de color como los múltiples matices, sin afectar a la estructura de la hoja.
El de Gómez es un tipo de pintura de paisaje atmosférico que el artista crea partiendo de un bloque de color, al que luego añade una multiplicidad de capas compuestas por colores claros, que extiende siguiendo la dirección de la luz, y colores oscuros, que permiten que la escena reina de la composición (en este caso, las cumbres nevadas de las montañas) emerja en toda su tridimensionalidad, también representada por los contrastes cromáticos.
«No quiero matarme con los detalles, así que cuando un cuadro impresiona, como éste, es un puro placer», dijo el artista, que prefiere hacer partícipe al espectador de la totalidad de las sensaciones que ofrece el paisaje que el artista ha plasmado con maestría.
La obra realizada por Gómez -a la venta, como todas las demás, en la sección de acción silenciosa- es un paisaje onírico en el que la belleza de las cumbres nevadas, veladas por las nebulosas, contrasta con los vibrantes colores del fondo en un dramático contraste paisajístico que contrapone la quietud de las cumbres nevadas con el dinamismo de la exuberante naturaleza que también caracteriza a Goméz.
La demostración de retratos realizada por la artista de Luisiana Carol Peebles fue una gran ayuda para todos aquellos que quieran acercarse a la composición de retratos de forma sencilla y completa.
Peebles realizó una demostración en vivo, durante la cual hizo el 90% del trabajo que luego completó en el estudio.
La artista se acercó al dibujo de figuras del natural hace años gracias a su mentor: el artista letón Auseklis Ozols, que la educó para captar la belleza de los matices de la luz en la naturaleza.
El profundo conocimiento de Peebles de los fundamentos clásicos también ha contribuido a hacerla especialmente popular entre el público de Pastel Live, que reconoció con entusiasmo sus extraordinarias habilidades docentes. El mérito de su éxito se debe también a la gran cantidad de información y ejemplos con los que puso de manifiesto los errores más comunes en la pintura de retratos.
Peebles comenzó el retrato a partir del estudio de las proporciones, que realizó siguiendo la regla de los 3/3 (mentón-base de la nariz, base de la nariz-cavidad orbital superior y cavidad orbital superior-línea del cabello) y que comprobó continuamente, incluso durante el trabajo, para asegurarse de que las proporciones eran correctas. Para la comprobación, utilizó tanto un práctico segmento de papel dividido en cuatro secciones como el bastón de la talla de la vista, que manejaba tanto vertical como horizontalmente, en función de las medidas a tomar.
«Es esencial establecer las proporciones correctas del rostro para tener un retrato proporcionado y veraz», dijo Peebles que, una vez establecidas las proporciones y los tonos de valor, pasó a la creación de la geografía anatómica del cráneo. Para comprobar que la geografía anatómica era correcta, el artista aplicó la técnica de los 8 puntos para medir la simetría del rostro. Otro sistema utilizado fue el análisis de los espacios negativos entre las piezas. «Una vez establecidas las bases del dibujo y los valores tonales, entramos en el meollo de la cuestión definiendo los detalles que permiten resaltar las particularidades del sujeto», explica el artista.
La última demostración del día trató de otro tema importante en la pintura: la perspectiva. Y fue la artista Nancie King Mertz, recientemente galardonada con el «Eminent Pastelist Designation from the Pastel Society of America», quien creó para los participantes una de las emblemáticas calles de Rouen, ciudad francesa en la que la artista ha permanecido.
La maestría de Mertz en la composición también se aprecia en la fluidez y rapidez con la que definió los puntos de perspectiva en la superficie de la hoja con un carboncillo de vino. «Lo primero y más importante en la perspectiva es considerar la línea del horizonte», dijo Mertz, que luego relacionó su línea del horizonte con la del paisaje y la gente. Luego representó los elementos de la composición como formas simples que tienen su propio valor tonal. Para amalgamar los colores antes de pasar de la profundidad al primer plano, al realizar los detalles, aplicó alcohol desnaturalizado con un pincel de abanico que se seca casi inmediatamente. «Hay que pensar en los pasteles como en un pincel», dice Mertz, que sabe exactamente adónde quiere llegar con sus rápidas pinceladas. Mertz sostiene que para que una perspectiva sea lo más realista posible, además de las reglas básicas de la pintura, que incluyen, por ejemplo, la reducción progresiva del tamaño de los objetos en relación con el punto de vista, es necesario prestar atención a factores que a veces se pasan por alto, como los bordes, por ejemplo, que pierden definición a medida que aumenta la profundidad. «Sólo adoptando las reglas de la perspectiva será posible atraer al espectador, como si estuviera caminando hacia la escena», dijo Mertz.
Fue de nuevo la talentosa Susan Kuznitsky la que despertó la curiosidad de los participantes que presenciaron la finalización del trabajo que comenzó ayer con Pasteles Cretacolor. Trabajo que ha completado hoy, de nuevo con gran detalle en la descripción de sus acciones, gracias al icónico Pastel à l’Écu de Sennelier.
No menos inspiradora fue la demostración de Julie Swanson Davis para Blick Art Materials, que mostró a los participantes cómo crear una composición de paisaje enfocando los elementos con el buscador de composición.
Para cerrar la jornada, Eric Rhoads presentó el que será el próximo evento de Streamline Publishing: la tercera edición de Realism Live. Producido en colaboración con Peter Trippi, redactor jefe de Fine Art Connoisseur Magazine, Realism Live estará en línea del 10 al 12 de noviembre, con la posibilidad de añadir la jornada de formación opcional previa al evento prevista para el 9 de noviembre.
(on the title: Vera Kavura’s work in progress demonstration)
