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Jeffrey Olson, director de educación artística de Royal Talens North America, inauguró la segunda jornada de Realism Live.
Realism Live es el mayor evento del mundo, concebido por Eric Rhoads y Peter Trippi, dedicado al realismo contemporáneo en todas sus formas y soportes. Cientos de participantes de más de veinticinco países de todo el mundo se conectan virtualmente a todas horas del día y de la noche. Además de conocer a los grandes artistas docentes, los participantes interactúan entre sí gracias a momentos especialmente diseñados para fomentar el conocimiento y el intercambio cultural, como las dos «salas de descanso» diarias y la «paint along/cocktail hour», el evento que se celebra después de la jornada.
En directo desde el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Jeffrey Olson habló de «La alquimia de la pintura al óleo», una sesión informativa muy interesante. Al relatar la historia de la pintura al óleo desde sus orígenes, proporcionó importante información técnica sobre: pigmentos, aglutinantes, superficie del papel, materiales auxiliares, óleos y medios.
«Lo que me llevó a convertirme en artista es que el arte, con sus tiempos, me permite procrastinar», dice entre risas Teresa Oaxaca, graduada en la Academia de Florencia (Italia). Teresa Oaxaca es una artista que no necesita presentación y que no pasa desapercibida. De hecho, su autenticidad humana y pictórica le permite vivir en una obra de arte: parece haber salido de un cuadro, con sus ropas de estilo barroco que la proyectan en un espacio de tiempo fiel sólo a ella y a su naturaleza artística. Oaxaca, que suele trabajar en grandes dimensiones, utiliza lino y crea personalmente colores muy saturados. Otra peculiaridad del artista es que fabrica personalmente sus propios marcos, ya que aprendió de las dotes artísticas de su padre, que solía estirar sus lienzos, y de los grandes artesanos italianos, añadiendo así más valor a sus ya maravillosas obras. Oaxaca, al igual que Graydon Parrish ayer, estuvo presente durante todo el segundo día de la convención, trabajando en su lienzo más grande. En la obra que está terminando, el retrato de un desnudo femenino está acompañado de tiburones, animales y árboles que recuerdan su infancia y el enigmático «Tríptico del jardín de las delicias» de Hieronymus Bosh, uno de sus artistas favoritos.
Los invitados de ayer a Savoir Faire fueron Quang Ho y el pequeño Liam, pero para la demostración de hoy Pierre Guidetti ha querido contar nada menos que con la talentosa Adrienne Stein, esposa de Ho, madre de Liam y gran amiga de Pierre Guidetti. En la demostración de hoy, Stein mostró cómo definir las transiciones de color sobre color y de tono sobre tono utilizando los óleos Sennelier. Dos en particular son sus favoritos: el naranja chino, un tipo especial de color creado por Sennelier, y el verde característico de Stein, el verde barita.
Como señalaron los participantes, las palabras utilizadas por Dan Thompson durante sus conferencias son, como mínimo, «impresionantes» y definen el grado de sensibilidad de este gran artista, del que dice: «Quiero «evocar» la atención del espectador, respetando al mismo tiempo la búsqueda creativa individual».
Presidente de la Facultad del Studio Incamminati de Filadelfia y fundador de la Grand Central Academy de Nueva York, Dan Thompson ha creado el torso de un niño de nueve años en dibujo a lápiz. El artista declara que la respiración lo es todo en la representación del torso, ya que la inhalación y la exhalación son los movimientos fundamentales. Su magistral conocimiento anatómico combinado con la vivacidad de su trazo hace que este artista sea elocuente. Además de centrar la atención de los participantes en los tres pilares a tener en cuenta en la realización de un dibujo anatómico -gestos, proporción y fluidez-, Thompson destacó cómo el gesto y la presión de la mano representan un trazo «caligráfico» único y distintivo, íntimo y personal, exuberante y vibrante.
Todd M.Casey’s “Dirty Martini Cocktail” demonstration.La formación de Todd M. Casey en diseño de comunicación le ha ayudado sin duda a comunicarse eficazmente con su público. Crecer en un entorno artístico como Lowell, MA, hizo el resto. De hecho, Lowell es el lugar de nacimiento -y la casa museo- de James McNeill Whistler. A diferencia de Whistler, Todd M. Casey se ha dedicado a la fotografía de naturalezas muertas, por la que ha ganado tres años consecutivos el Portrait Society of America Members Only Competition. Para la demostración de hoy, T.M. Casey ha creado un «Dirty Martini Cocktail». Durante la demostración del artista se centró en la importancia de la composición, presentando algunos conceptos clave de su libro: «The Art of Still Life: A Contemporary Guide to Classical Techniques, Composition, and Painting in Oil», un «must have» para los amantes del género. Aunque es asombroso ver cómo T.M. Casey consigue recrear la fluidez de la bebida y la transparencia y el brillo del cristal, el artista dice: «No quiero hacer una representación de la imagen, sino captar el espíritu de la composición».
En su demostración para Blick Art Materials, Frank Ordaz no sólo hizo hincapié en la importancia del detalle, sino que también se centró en cómo hacer que una pintura sea tridimensional mediante el uso de trucos, consejos y, por supuesto, los materiales adecuados para crear estos efectos.
En la demostración de hoy, Joseph Lorusso ha explicado cómo afecta a su estilo la combinación de tres factores fundamentales: el dibujo, el bloqueo con una grisalla y la composición de la paleta de colores. Un estilo onírico impregnado de espiritualidad, probablemente debido al uso de una paleta predominantemente cálida que tiende a reconciliar al espectador. Estudiando e imitando a algunos de los grandes del pasado, Lorusso puso de relieve cómo la capacidad de expresar la esencia de un personaje puede lograrse con unas pocas pinceladas destinadas a resaltar la intuición de la pintura. Durante la demostración, Joseph Lorusso hizo hincapié en la necesidad de sentirse siempre como un «alumno» en el proceso artístico, que debe abordarse de forma «real»: «Tendemos a tener ideas preconcebidas sobre el aspecto de las cosas y tratamos de pintar lo que sabemos en lugar de lo que realmente vemos», dice el artista, que afirma que le ha costado poner en práctica este concepto, que es de hecho lo que distingue a un pintor realista de los demás.
Hay quienes, siguiendo a LPAPA -Asociación de Pintores Plein Air de Laguna- han conseguido realizar su sueño de vivir de la pintura. Esto ha sido posible gracias al compromiso que LPAPA emplea cada día. La misión de la asociación, fundada en Laguna Beach, California, en 1996, es preservar la historia del movimiento plein air en la California del siglo XIX. No importa en qué parte del mundo vivas, únete a LPAPA y obtén más información en https://lpapa.org
¿Qué artista no ha soñado nunca con pintar en lugares emblemáticos de Francia, Italia o Inglaterra, bajo la dirección de un artista de renombre internacional como Susan Lyon o Quang Ho? Ahora todo esto es posible gracias a «Talleres en Francia», el servicio de alojamiento para viajes artísticos en el que los participantes no tienen que pensar más que en el arte, la cultura, la relajación y la diversión optimizando los costes. Para más información e inscripciones, visite: https://workshopsinfrance.com
Todo seminario de arte que se precie tiene un espacio dedicado a una sesión crítica de un artista profesional. Para Realism Live, el conferenciante invitado especial fue Sam Adoquei, miembro de la junta directiva de la Portrait Society of America y ganador de numerosos premios, entre ellos la Medalla de Honor de Pomport (Francia). Además de la sesión de crítica en la que Adoquei ayudó a los participantes a centrarse en diferentes temas, abordó algunas cuestiones importantes que diferencian a un artista profesional de un principiante, reconociendo cómo el hábito de un individuo tiene un impacto «esencial» en la carrera del artista que nunca debe cansarse de copiar a los antiguos maestros. Según Adoquei: «Para asegurar y honrar el patrimonio artístico, el amante del arte debe estar representado por un arte que proporcione una belleza intemporal y una inspiración continua a todos, porque el gran arte se basa en el amor a la naturaleza, la tradición, la innovación y la invención». En otras palabras, realismo en todas sus formas. Sam Adoquei, en colaboración con la Portrait Society of America, ha fundado el «Día Mundial de los Tonos de Piel», que se celebrará en línea, por primera vez, el 20 de noviembre de 2021. Para más información, visite @theskintonesproject ( Instagram) o The Skin Tones Project (Facebook).
«Pintar el fondo con grises neutros» fue el tema de la presentación de Golden Artist Colors de los cuatro tipos de grises producidos por Williamsburg y utilizados por los artistas para devolver a las mezclas, que de otro modo serían demasiado frías, su carácter neutro. Los cuatro grises neutros (N2, N4, N6 y N8), que corresponden a los valores del sistema Munsell, están molidos en aceite de linaza alcalino y se basan en una combinación de blanco de titanio, negro de lámpara y pequeñas dosis de los distintos óxidos de hierro (Burnt Umber, Burnt Sienna, Raw Sienna).
Entre demostraciones y presentaciones sobre materiales y asociaciones artísticas, la jornada llegó a su fin. Para cerrar el segundo día de Realism Live con una nota alta, Eric Rhoads presentó a otra superestrella: el extraordinario Daniel Sprick, artista silencioso pero igualmente divertido.
Sprick, con la humildad y sencillez que le caracterizan, abordó un tema tan destacado como difícil: la perspectiva lineal de dos puntos. Una verdadera preocupación para muchos artistas, pero también un tema fundamental para poder representar el espacio en un dibujo. Sprick continuó explicando los distintos conceptos básicos de la perspectiva y mencionó sus antecedentes históricos, que se remontan a la antigüedad, pero que sólo se hicieron realidad gracias a una serie de experimentos realizados en el siglo XIV por el arquitecto florentino Filippo Brunelleschi. La perspectiva se basa en las leyes elementales de la óptica, según las cuales los objetos lejanos aparecen más pequeños y menos definidos que los cercanos. El color se basa en esta premisa. Pero mientras la perspectiva «aérea» reproduce los efectos de la atmósfera y la luz en relación con el aumento de la distancia, la perspectiva «lineal» traduce gráficamente el efecto de la reducción de la escala de los objetos determinada por la distancia.
La perspectiva de dos puntos, como aclara Sprick, utiliza dos puntos de fuga bien separados en la línea del horizonte. Sprick afirma que «tener un punto de fuga fuera de la imagen ayuda mucho al artista. Afinar los conceptos de perspectiva permite al artista centrarse en los valores y otros parámetros del color. La de Sprick fue, como siempre, una gran demostración, sobre la que un participante dijo: «Me gusta verle pensar en voz alta. Hace que todo parezca fantástico.
Hoy ha sido otro gran día, lleno de conceptos, emociones y elementos de reflexión, que llevará a los participantes hasta mañana, para la tercera y última jornada de Realism Live.
(on the title: Teresa Oaxaca’s studio)
