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El tercer y último día de Plein Air Live 2022 fue presentado por el inconfundible Pierre Guidetti, rostro de Savoir-Faire -patrocinador platino del evento- y embajador en Norteamérica de Sennelier, Fabriano y Cretacolor, entre otros. Además de mostrar su apoyo al pueblo ucraniano en la guerra sin sentido en la que está sumido, Pierre Guidetti es un apasionado empresario y artista. Como profundo conocedor de las técnicas y los materiales artísticos, es un importante punto de referencia en la escena artística internacional. Cuando empieza a hablar, se le puede escuchar durante horas y horas, sin cansarse, porque sus conocimientos culturales son realmente amplios. Además de relatar la historia que, junto con su mujer, le unió a Sennelier hace muchos años, contó su encuentro con Eric Rhoads y su colaboración en la realización de eventos al aire libre. A continuación, relató anécdotas históricas sobre el plein air, que encontraron su apoteosis en Monet: el primero de varios artistas que sintieron la necesidad de dejar «una impresión» en el lienzo.
Una impresión que estaba destinada a perdurar en el tiempo hasta lo que es hoy el espíritu de la pintura plein air.
Pierre Guidetti y Savoir-Faire te esperan todos los viernes en Instagram (@artsavoirfaire) para pasar un rato juntos, conocer a los artistas y dar consejos prácticos útiles y valiosos.
La composición de Kim VanDerHoek del paisaje de la extensión de colinas de la bodega Gundlach Bundschu en Sonoma, California, es un conjunto jugoso y efervescente de formas simples. La artista abordó el cuadro haciendo primero los colores oscuros, que pintó sobre el lienzo con pinceladas sueltas, para derivar el valor tonal y cromático de la composición. «La elección de los colores utilizados para la composición depende de la percepción visual de los mismos, aunque su representación en el lienzo pueda parecer muy diferente a la de la imagen», afirma el artista. En este sentido, afirma que tener la misma fuente de luz tanto en el panel como en la paleta ayuda mucho en esta tarea. Teniendo en cuenta que la definición de un color cálido o frío es siempre relativa a la composición cromática, VanDerHoek utiliza un método muy sencillo para establecer los valores cromáticos: los colores cálidos tienden a resaltar y los fríos a retroceder. Al representar los detalles, el artista varía los colores y los tamaños para crear una pintura más fuerte y acabada, ya que las formas irregulares ayudan a crear una composición vibrante. VanDerHoek dijo que hacer el mismo paisaje varias veces ayuda mucho a centrarse en los errores y las variaciones. Sólo al final, para reforzar la perspectiva aérea, añadió algunas «pinceladas salvajes» que enfatizaban las sombras proyectadas y el follaje, mientras utilizaba una espátula para crear la textura. El artista afirma que suele terminar su obra con puntos de color aleatorios en el lienzo, pero siempre espera un par de días antes de determinar si la obra está realmente terminada o no.
Lory McNee, además de ser una de las profesoras de esta tercera edición de Plein Air Live, es bloguera de arte, influenciadora de medios sociales, embajadora de marca, productora y conferenciante de éxito, Para la demostración pintó El río Snake en el sur de Idaho, el río más peligroso de los Estados Unidos de América. En la sesión de demostración, que tuvo lugar en un frío día de invierno, utilizó pinturas al óleo mezclables con agua: son pinturas que se comportan como el óleo tradicional, pero no contienen disolventes químicos perjudiciales para la salud y el medio ambiente. Para la ocasión, ha trabajado sobre un panel de lino previamente convertido en gris. Empezando por el bloque en el que se ocupaba del diseño, estableció los valores tonales con siena quemada y azul ultramar. Al explicar la composición del color, el artista destacó cómo en la naturaleza los colores oscuros reflejan los colores claros y viceversa. «La pintura al aire libre tiende a resaltar la naturaleza y, al mismo tiempo, desafía al artista haciéndole pasar por una experiencia meditativa y creativa capaz de estimular todos los sentidos», dijo el artista, que habitualmente mueve el pincel en diferentes direcciones para crear la sensación de movimiento del agua. Sólo al final de la composición, el artista añadió un par de trazos verticales para enfatizar la sensación de realidad del agua. Como es habitual durante las sesiones de plein air en los meses de frío, el artista dice que realiza los cambios finales de la obra en el interior de su estudio. Aquí, al igual que un albañil se decanta por sus herramientas favoritas, McNee utiliza las herramientas más agradables para rayar el lienzo, como una tarjeta de crédito con la que resalta las luces.
La tarde continuó por todo lo alto con una demostración de Mark Shasha, educador, autor e ilustrador de libros infantiles de éxito. Shasha creó una composición al óleo de una sección de playa. Según el artista, pintar sobre una superficie ya pintada es mucho más fácil porque ayuda a definir los valores tonales. Por eso creó una pintura de fondo transparente con colores previamente preparados en prácticos tubos listos para usar. En el proceso, una vez conseguida una estratificación de colores de densidad media, arañó la superficie para representar el efecto de la brisa marina sobre la hierba, que recuerda mucho a las vistas de hierba de Andrew Wyeth. El método de Shasha es un constante entrar y salir, una característica que el óleo posee a diferencia de otros medios. En la demostración mostró cómo es posible conseguir efectos ópticos y atmosféricos bellos y realistas utilizando objetos cotidianos y baratos, como un pincel de pintor, una espátula de botella y una esponja de mar. A la pregunta de por qué prefiere el óleo a otros medios, el artista respondió: «Utilizo el óleo porque es la forma más eficaz de hacer el tipo de imagen que quiero crear. El óleo es muy opaco, así que puedo cambiar fácilmente los elementos del cuadro y se mantiene lo suficientemente húmedo como para mezclarlo». La licencia de artista permitió a Shasha cambiar la referencia fotográfica representando pequeñas rosas a lo largo del camino de hierba, lo que añadió más valor a la llamativa composición.
Cualquiera que haya estado en California sabe que las misiones españolas, repartidas por todo el territorio, son lugares históricos y muy impresionantes. Keiko Tanabe, una consumada acuarelista, representó una de estas misiones. Sin embargo, antes de realizar el cuadro propiamente dicho, subraya la importancia de llevar a cabo varios trabajos preparatorios, que afirma realizar en diferentes sesiones y a distintas horas del día, para estudiar las variaciones de la luz y centrarse en los detalles a destacar. De este modo, evita perder un tiempo precioso para dedicarlo al trabajo final. En los bocetos preparatorios, además de estudiar los distintos aspectos técnicos -la composición arquitectónica y la perspectiva tonal-, define las relaciones entre las partes. Según Tanabe, a la hora de crear una composición, sobre todo arquitectónica, es una buena práctica dedicar tiempo a estudiar tanto la perspectiva de los edificios como la composición del color. Esto último puede ser difícil, especialmente para los principiantes, pero ayuda mucho a crear una composición correcta y equilibrada. Al principio, Tanabe hizo grandes lavados en el fondo, en los que captó la atmósfera de la escena, simplificando la estructura pero manteniendo las formas, las luces y los patrones sin cambios. Completó su obra trabajando los elementos compositivos individuales, en los que destacó los contrastes entre las formas orgánicas y geométricas, los contrastes altos y bajos, que pintó de forma que se mantuviera el equilibrio unificado de la composición. En su demostración utilizó un par de pinceles caligráficos -uno grande y otro más pequeño- y destacó la importancia de mantener la blancura del papel, ya que es un elemento muy preciado en la acuarela. «La pintura en vivo no consiste sólo en ver», dice Tanabe, «se trata de inspirarse en los sonidos -el maravilloso sonido de las campanas-, en los olores y en la atmósfera que nos rodea y que tenemos que entender espontáneamente», dice Keiko Tanabe.
Entre los eventos Plein Air previstos para este año, la organización de Eric Rhoads había prometido ir a Rusia, un evento que se había pospuesto durante dos años. Pero la dramática situación del país ha hecho obviamente imposible el viaje, y en su lugar estará en Nueva Zelanda en septiembre.
Este año, además de John Crump, con la demostración de ayer, otro artista neozelandés, Richard Robinson, hizo una demostración. Lo hizo representando una gran escena de Sandy Bay en Nueva Zelanda y con un enfoque totalmente innovador. Al componer el boceto preparatorio, hizo uso de la tecnología digital, con dos aplicaciones: Adobe PaintCan.y Procreate. Se trata de aplicaciones digitales que son fáciles de usar y ahorran mucho tiempo y material. Según el artista, acercarse a este método podría facilitar su afición a la pintura plein air. Partiendo de la imagen fotográfica de la escena que seleccionó para la demostración, trasladó la imagen a las aplicaciones sobre las que trabajó, aumentando y disminuyendo los valores de tono, color y valor de forma equilibrada. Tras realizar el boceto preparatorio, utilizó la imagen creada digitalmente como referencia en la pintura al óleo tradicional de la obra. Según Robinson, a la hora de construir la composición, es importante crear diferentes ángulos de los elementos, primero para respetar la estructura natural de los elementos y luego para crear juego en la composición. Al aplicar el color, el artista cree que es muy importante entrecerrar los ojos continuamente para establecer los valores tonales y crear una atmósfera interesante para el público.
Kevin Macpherson, fue el anfitrión de la última sesión de demostración de Savoir-Faire en la que explicó un par de conceptos que todo artista debería experimentar: pintar a pequeña escala -porque: «pintar en pequeño, te ayuda a pensar en grande»- y pintar a partir de una paleta limitada -que ayuda a construir los colores de forma sencilla-.
Macpherson fue también el último «ingrediente» de Plein Air Live, 2022.
El artista, gran aficionado a este tipo de pintura, declaró que «Pintar al aire libre es vivir el momento» llegando a pintar una vista del río en el paisaje glacial de Nuevo México. Para pintar el paisaje en la demostración -para lo que se protegió con un cómodo calcetín metido en la mano del pincel- empezó por explicar la cuadrícula compositiva. Este es un elemento recurrente en su obra y que, según él, es fundamental en su enfoque compositivo. La cuadrícula no es más que un medio para situar correctamente los elementos en el espacio: no sólo los objetos, sino también las luces y las sombras. Define las relaciones entre las partes y desaparece una vez creadas las grandes formas, sobre las que el artista procede con numerosas capas que resaltan la atmósfera, dada por los tonos y colores que cada uno percibe de forma personal. La retícula compositiva también ayuda a no perderse en la perspectiva y la representación de elementos engañosos, y permite pensar en formas grandes y pequeñas -que los artistas tienden a hacer de la misma manera- manteniendo los valores compositivos correctos. En la realización de la demostración, Macpherson también aportó importantes reflexiones sobre ciertos aspectos de la pintura plein-air, como la dicotomía entre la concentración y la toma de decisiones y entre el cerebro visual y el analítico, explicando la importancia de «ser capaz de ver» los elementos que nos rodean.
La tercera edición de Plein Air Live ha llegado a su fin con el entusiasmo de los participantes, a los que se invita a participar en el concurso artístico mensual y anual Plein Air Salon. Además, como en todos los eventos de Streamline Publishing, el último día de la convención los participantes podrán inscribirse en el evento del año siguiente -Plein Air Live será del 8 al 11 de marzo de 2023- a un precio muy ventajoso, comparado con el que se ofrece regularmente al público.
Los nostálgicos o los que tengan ganas de superar sus límites y quieran aumentar significativamente sus habilidades pueden apuntarse al próximo seminario virtual de la segunda edición de Pastel Live, del 17 al 20 de agosto. Un seminario enteramente dedicado a este poderoso y maravilloso medio en todas sus variantes. Apúntate en masa, porque como dice Eric Rhoads: «La educación es un valor añadido, cueste lo que cueste».
(On the title: Keiko Tanabe’s work in progress demonstration)
