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La tercera edición de Plein Air Live, 2022, arrancó oficialmente con un gran número de artistas que realizaron demostraciones técnicas en las que ofrecieron consejos e información sobre su interpretación de la naturaleza y el arte.
El primer conferenciante del día fue John Cosby, una leyenda en el mundo de la pintura plein air, que creó un evocador paisaje portuario para el evento. No es un tema inusual para Cosby, que después de servir a dos presidentes de los Estados Unidos en el Poder Ejecutivo, dejó la Casa Blanca para dedicarse a la pintura al aire libre. Lo hizo tras restaurar un barco original de Nathaniel Herrishoff, un arquitecto y diseñador naval que vivió entre 1800/1900. Su afición por este estilo le llevó a fundar, junto con otras personas, la organización sin ánimo de lucro LPAPA -Laguna Plein Air Painters Association-. La organización para la protección de la pintura Plein Air y el patrimonio de Laguna, CA, es patrocinadora de platino del evento, y ha querido recordar hoy a Ken Austern, comisario de artes de Laguna Beach, recientemente fallecido.
Antes de realizar la composición final, Cosby la hace en escala de grises para evaluar su escala tonal. El objetivo de Cosby es crear una composición sólida capaz de despertar emociones. Tras trazar las grandes formas en carboncillo, utilizó los colores, con una gama que alterna entre temperaturas frías y cálidas. Presta mucha atención al claroscuro manteniendo el mismo valor tonal, resultado del reflejo de la luz en las superficies que componen la composición. Al realizar la pintura marina, Cosby afirma que prefiere la ilusión de los detalles a los detalles mismos, señalando cómo la superposición de colores crea espacios visuales fascinantes.
La artista italiana Daniela Astone ha representado un trozo del divino paisaje toscano. Alumna de Daniel Graves en la prestigiosa Academia de Arte de Florencia, Astone es actualmente directora del programa intermedio de la Academia. En 2016 recibió el prestigioso premio Mod Portrait Award en el Palau Gomis, sede del MEAM- Museu Europeu d’Art Modern, en España.
En la composición creada para la demostración, el artista ejecutó un imprimatur en yeso y aceite de linaza. Con la ayuda de un boceto preparatorio, ha dividido la composición en tercios a partir de los cuales ha establecido dónde disponer los objetos y sus masas. Estableció el bloqueo en el delgado imprimible monocromo, destacando la luz y la sombra al mismo tiempo y definiendo la perspectiva y la relación entre las partes. Tras el dibujo preparatorio perfectamente ejecutado -para el que destacaba la importancia del dibujo-, pintaba los colores de claro a oscuro con la ayuda de una espátula y según la composición tonal establecida de antemano. Cuando terminó de pintar, tomó prestada la técnica del puntillismo, sobre todo para las ramas de los árboles. Para resaltar más las sombras, utiliza un empaste más grueso.
La técnica pictórica de Astone, como ella misma mencionó durante la demostración, recuerda al estilo pictórico de De Nittis, pintor italiano del siglo XIX y uno de los representantes más importantes del impresionismo italiano. Al igual que De Nittis, Astone pinta manteniendo vivo su espíritu de dibujante, que se hace patente en el trazo planificado en la base de las composiciones.
¿Cuál es la diferencia entre un pintor y un artista, y cuál es el hilo -más o menos fino- que distingue a un artista abstracto de un artista figurativo? Éstas son sólo un par de preguntas que el artista T. Allen Lawson se planteó en su sesión de demostración, estimulando la reflexión del público. Una reflexión que es todo menos trivial y que también representa la luna de sus fuentes de inspiración de las que extrae ideas. Lawson comparó las obras maestras de los antiguos maestros con las de los artistas contemporáneos más recientes, haciendo una clasificación entre el arte abstracto y el figurativo y centrándose en algunos conceptos fundamentales del arte, entre ellos: la composición, la importancia del dibujo -considerado como una forma de libertad de expresión-, los colores y su armonía y las decisiones artísticas que deben tomarse para enfatizar la narrativa. La composición, en particular, es para Lawson la parte más importante de un cuadro, la esfera que permite al observador entrar en la dimensión personal del artista.
Lawson se encuentra entre los artistas más importantes del panorama estadounidense contemporáneo, con una especial curiosidad -y una extraordinaria capacidad expresiva- para captar entornos naturales y escenas rurales con una frescura y una habilidad excepcionales. Lawson fue el creador de las tarjetas navideñas de la Casa Blanca de 2008 y deja a los asistentes con una cita personal digna de estudio: «Os animo a todos a superar los límites y a probar cosas que nunca habéis intentado antes. Prueba algo nuevo. Desafíate a ti mismo, esfuérzate. Porque ya no hay tiempo para ser «suficientemente bueno». El público apreció mucho su honestidad intelectual y su profundidad meditativa. «¡Lawson tiene respuestas únicas a los encuentros de la vida interpretadas y expuestas como sentimientos universales por un artista muy humano!», dijo un asistente.
Nancie King Mertz representó el icónico paisaje del horizonte de Chicago para la demostración, destacando cómo es posible hacer una hermosa pintura a partir de una imagen fotográfica. Chicago es un paisaje que al artista le encanta representar y no es raro verlo en algunos programas de televisión centrados en Chicago, como Chicago Fire. Haber crecido en Chicago le ha permitido perfeccionar su sensibilidad a la luz y a sus vibrantes variaciones, que traslada hábilmente al papel. El método de pastel utilizado en la demostración de hoy para crear la obra era muy atractivo. Partiendo de un boceto al carbón, el artista definió las masas oscuras que luego mezcló con alcohol desnaturalizado y un pincel de abanico, siguiendo la dirección de la composición. Aprovechando la capacidad del alcohol para secarse muy rápidamente, el artista aplicó una segunda capa de pastel, que volvió a difuminar hasta definir los detalles con pequeños toques que difuminó con los dedos. Según Mertz, el pastel se basa en la presión y la única forma de aprender la técnica es practicar mucho.
Anna Rose Bain deleitó a los participantes con una maravillosa representación figurativa de un niño jugando en la playa. No es raro que Rose Bain represente a niños, y el público siempre muestra gran aprecio por este tipo de pintura, entre otras cosas porque rara vez se realizan demostraciones en vivo con niños. En la compleja tarea de representar a los niños, la artista se ve sin duda facilitada por la presencia de sus hijos: Everett (el protagonista de la sesión fotográfica) y Cecilia, nombre inspirado en la patrona de la música, otra de sus grandes pasiones. La grandeza de esta artista -que también estudió pintura figurativa en la Academia de Arte de Florencia- radica no sólo en su gran capacidad para dar un extraordinario parecido a sus temas pintados, sino también en su habilidad para representarlos de forma emocionante, con la frescura y la vivacidad que distinguen a la pintura de época y al plein air. Además, la pintura impresionista se caracteriza por la necesidad de percibir y fijar en el lienzo «impresiones», cortes de luz frescos e inmediatos, como demostraron ampliamente los pintores franceses del siglo XIX. Su pasión por representar a los niños se debe a dos factores en particular: la concepción de la pintura como una especie de diario en el que dejar constancia de los acontecimientos de la vida -y, por tanto, de la maternidad- y el recuerdo de cuando, de niña, pasaba los días inmersa en la naturaleza, dejándose encantar e intrigar por su entorno. A la hora de crear una obra en plein air -y una pintura en general-, según Bain, es importante entrecerrar los ojos para entender qué hay que reforzar en la composición y prestar especial atención al efecto que adquiere la temperatura del color cuando cambia la luz. Este es un factor muy importante porque nos permite comprender que es la temperatura la que describe la forma de la naturaleza, dándonos una determinada percepción en lugar de otra.
«Es una verdadera bendición poder salir y contemplar la naturaleza en su esencia», dice el artista Roger Dale Brown, que cerró la jornada de formación con un asombroso extracto del río cerca de su casa en Nashville, Tennessee. Al trabajar en la composición, el artista, que dice no estar acostumbrado a trabajar en poco tiempo, ya que sus obras tardan días en completarse, bloquea con pinceladas cortas y nítidas, en las que empieza a plasmar el sentido de la perspectiva que ofrecen las masas. Al realizar la obra, comienza con los tonos más oscuros que se van aclarando hasta llegar a los tonos más claros, sobre los que dice que hay cinco tipos de luz: clara, media, oscura, luz reflejada y acentos (que son los claros y los oscuros).
Brown aconseja no desechar nunca los pinceles viejos, sino utilizarlos para hacer ciertas partes del cuadro. Es una locura ver la energía que pone en la obra, tanto con la espátula, con la que homogeneiza los colores, como con el pincel, que utiliza en todas las direcciones y con distinta presión según el efecto que se quiera conseguir, como los bordes de la composición que definen la atmósfera.
«Entrena tu memoria porque será tu principal herramienta», dice el artista Roger Dale Brown, que sólo utiliza la imagen fotográfica en el momento inicial del bloqueo y que declara que sólo pinta al natural para estudiar y sin dedicarle mucho tiempo porque hay mucho que pintar en el mundo.
Entre los patrocinadores del día estaba Gregg, de Golden Artist Colors, que ofreció Open Colors, acrílicos que podrían revolucionar la pintura plein air. Open Colors es una línea profesional de colores y medios formulados con un conjunto de propiedades de trabajo que se mantienen húmedos por más tiempo, incluso en condiciones de exterior. Su versatilidad permite a los artistas explorar una gama más amplia de técnicas que se basan en suavizar, sombrear, velar y crear detalles finos, como se hace con el óleo. Su fórmula también evita el desperdicio porque las mezclas de colores pueden utilizarse durante más tiempo.
El día ha llegado a su fin y en Miami Niche estamos deseando que llegue el próximo día de Plein Air Live. No se pierda la oportunidad.
(on the title: Lettings the Day Go By by Allen T.Lawson, 2018. Oil on linen m/o panel, 32 x x35 “)
