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En Miami Niche te dijimos en el último evento, Watercolor Live: «no seas nostálgico, y si lo eres, apúntate a Plein Air Live». Y aquí estamos, disfrutando de la energía y el entusiasmo de Eric Rhoads y Kelly Kane, juntos de nuevo para esta aventura plein air.
Quienes le conocen saben que Eric Rhoads es una mente incansable y una fuente inagotable de ideas, que aspira a crear una Disneylandia para los artistas.
En su tercera edición, Plein Air Live reúne a más de treinta artistas y miles de participantes de veintidós países de todo el mundo en este increíble evento de cuatro días dedicado por completo a la pintura al aire libre, con una amplia gama de medios y temas a representar.
Al igual que el resto de eventos, la convención comienza con la jornada para principiantes, un valioso recurso informativo y práctico para quienes quieran acercarse a la pintura plein air o quieran aprender más sobre ella.
Después de los saludos de los radiantes Eric Rhoads y Kelly Kane, el evento se puso en marcha.
Los conferenciantes invitados abordaron una amplia gama de temas. El propio Eric Rhoads, empresario y artista de éxito, dio una conferencia sobre las herramientas necesarias y su organización para realizar una sesión de plein air. Además de empresario, Rhoads es también un consumado artista y entusiasta del Plein Air. «Aprenda de sus errores», dice E. Rhoads al presentar el equipo necesario, y su organización, para este tipo de pintura inspirada en los impresionistas franceses que buscaban «impresiones» para dejar en el lienzo. Con sus años de experiencia, Rhoads no ha dejado nada al azar, tanto en la organización de su mochila, en la que guarda los elementos esenciales, como en la organización de la maleta que lleva en sus viajes, que debe estar rigurosamente preparada para todas las eventualidades: desde la lluvia hasta el sol; desde el viento hasta la nieve. Lo importante, dice Rhoads, es tener siempre un equipaje ligero y sencillo y, sobre todo, acordarse de poner las pegatinas de Plein Air Live a la vista de los participantes.
En su demostración, Dan Marshall no impartió una sesión sobre si la acuarela es buena o no, sino sobre la importancia de conocer las herramientas que permiten realizar una buena sesión de plein air. En este sentido, el artista mostró, desde los confines de su estudio en el que es imposible no fijarse en un espléndido banco de trabajo, cómo realizar sencillos ejercicios de pincel. Se trata de ejercicios que le llevarán de 5 a 10 minutos al día y que le permitirán mejorar su conocimiento de las materias. Es un componente fundamental para poder salir a pintar al aire libre y familiarizarse con el entorno. Desde su bello estudio, perfectamente organizado, Marshall realizaba pequeños ejercicios de caligrafía aplicada con pincel para luego pasar a crear una obra más compleja. A la hora de elegir los objetos a representar durante los ejercicios diarios, el artista defiende la importancia de elegir objetos tridimensionales y particulares. Estos objetos evitarán que nuestro cerebro los perciba de forma mecánica y, por tanto, llena de errores y prejuicios.
Según Jim Wodark, la composición de una obra de arte es fundamental para su éxito. En su proceso de composición, el artista comienza con preguntas sencillas pero igualmente eficaces: «¿Por qué pinto? ¿Qué quiero representar?». Esto le permite centrarse en los puntos que hay que destacar en la creación de la obra. Wodarck aborda el tema de la composición de varias maneras posibles. Parte de los métodos más comunes, como la representación de formas grandes, triángulos y círculos, hasta la teoría de la anatomía del rectángulo y la secuencia de Fibonacci como regla armónica para todo. La secuencia de Fibonacci, en particular, lleva el nombre de su inventor, Leonardo Pisano, que acuñó este sistema de medición en 1202. Se basa esencialmente en la proporción de 1/16 que rige la naturaleza y la sesión áurea, y es la regla de muchas obras pictóricas y arquitectónicas. Todos estos métodos abordados en la demostración permiten al artista enfocar cada objeto de la composición correctamente y respetando las medidas, las proporciones y los espacios negativos en relación con el punto focal. Al crear la composición también es importante tener en cuenta las herramientas de la composición, es decir, el conjunto compuesto por: líneas (finas – marcadas), formas (pequeñas – grandes), valores (claros y oscuros), colores (escala de grises – color), bordes (duros – suaves) y la mezcla (fina – gruesa). La composición es el resultado del equilibrio de todos estos factores unidos correctamente.
«Yo también fui un principiante y lo más importante es aprender los conceptos y ponerlos en práctica», dice el artista de origen británico John Pototschnik en su demostración sobre el color. Pototschnik sostiene que, al crear una obra de arte, son los valores los que crean el ambiente de la composición. Por ello, es esencial tener en cuenta algunos puntos clave: apreciar el valor de los valores; comprender la perspectiva aérea; beneficiarse de una paleta limitada; y discernir un valor de color. Pototschnik demuestra estos argumentos en su libro y DVD: John Pototschnik: Unlimited Color with a Limited Palette, que contiene todos los puntos fundamentales que el artista puso en práctica durante su demostración, destacando especialmente los beneficios de la paleta limitada en la facilidad de entender el color y su armonía. El libro y el DVD están disponibles en el siguiente enlace: https://painttube.tv/products/limited-palette-unlimited-color-book
La tarde continuó con demostraciones de plein air en diferentes medios.
La primera artista de la tarde fue Mary Garrish, que deleitó al público con un óleo de un cielo lleno de nubes. En la creación de la obra, la artista mostró las distintas fases de trabajo que conducen al cuadro final: desde el cambio de la imagen de color a blanco y negro, resaltando así los matices de gris, hasta la creación de los bocetos, que modificó a su antojo para su interpretación personal. Antes de llegar a la obra propiamente dicha, realizó un estudio de valores en óleo blanco y negro para resaltar los valores tonales, que son útiles para traducir el color. Garrish, que dejó su práctica médica para dedicarse por completo a la pintura, dice que su preferencia son los cuadros tonales, que suele pintar con una paleta más neutra y luego añadir más color en la zona focal deseada.
Tiffany Mang creó una sesión plein air en Cutiver Park, La Jolla, CA, utilizando gouache. Mang lleva varios años creando paisajes en plein air con gouache porque lo considera un material muy versátil. El artista suele utilizar papel prensado en frío en pequeñas dimensiones (6 x 6 «) y prefiere la tela al papel.
Artista minimalista, Mang sólo utiliza dos pinceles: uno plano y otro redondo para afinar las formas. Aparte de eso, sólo utiliza los tres colores primarios y prefiere esbozar la composición directamente sobre el papel con un lápiz y un extensor. Ver trabajar a Mang recuerda en cierto modo a la pintura abstracta con brío del cubismo, por las pinceladas. El efecto final de su composición es una agradable y fragmentada sucesión de pinceladas. Además de sus habilidades técnicas, Mang cree que también es importante tener una buena capacidad de resolución de problemas, que ayude a superar los problemas causados, por ejemplo, por una forma que cambia con la puesta de sol. Para poder ajustar el cuadro, Mang sugiere tomar una fotografía de la obra y analizar sus líneas y composición.
Jed Dorsey, que se declara un «gran defensor» de la pintura acrílica, recorrió un largo camino para llegar al lugar deseado para su sesión de plein air. Cuando empieza a trabajar, Dorsey esboza las formas grandes en la pizarra con la ayuda de un rotulador de tamaño medio. Es divertido escucharle contar algunas anécdotas sobre los antiguos maestros y su forma de alejarse de la paleta para refrescar la vista. El artista sostiene que en la pintura plein air no es necesario copiar las sutilezas, sino que hay que saber interpretarla, porque: «No puedes mejorar la naturaleza, pero puedes mejorar tu pintura», dice el artista tomando prestada una famosa cita. Para la demostración, Dorsey utilizó una paleta limitada con la adición del marrón, y para cada color obtenido de la combinación de colores hace una prueba en una hoja de papel gris colocada en paralelo a la composición. Este proceso ofrece la posibilidad de corregir el color antes de aplicarlo. Para terminar, el artista hizo una cita muy poética: «la pintura va y viene, pero tú eres la verdadera obra de arte”.
Una licenciatura en arquitectura y un máster en diseño no han frenado la apasionada afición de Thomas Bucci por la pintura en acuarela. Para hacer la demostración, se ayudó de una pequeña fotografía de un sector de la ciudad que reelaboró en el boceto, resaltando sus valores tonales. Su técnica consiste en aplicar grandes lavados que luego refina con valores tonales y detalles. Según Bucci, a la hora de crear una obra de acuarela es necesario tener en cuenta dos principios fundamentales: tener habilidad para el dibujo, porque es imposible retroceder en la creación de la obra, y no sobrecargar la hoja con agua y pigmentos, con lo que se corre el riesgo de arruinar el papel y la composición.
Susan Kuznitsky, una cara conocida en el mundo del pastel, ha pintado un extraordinario balcón florido para la ocasión. El pastel es un medio que conoce perfectamente y que aprecia especialmente por su capacidad de aplicarse en capas. Además de ser una gran artista, también es una gran profesora, y con respecto al material necesario para la sesión al aire libre, dice: «Lo que no recuerdes la primera vez, no lo olvidarás la segunda».
En la realización práctica de la obra, suele colocar una larga tira de cinta adhesiva gruesa a lo largo del borde inferior de la hoja, para evitar la dispersión del polvo del pastel, que puede ser muy molesto de eliminar. En la composición, procede a dibujar trazos de referencia que dividen la composición en zonas y luego dibuja las formas grandes. Antes de pasar a definir patrones y detalles que crean tridimensionalidad, amalgama la composición con alcohol, aplicado con un pincel. Para quienes quieran acercarse a este medio rápido y práctico, Kuznitsky sugiere empezar con el pastel duro, que contiene menos pigmento y es más fácil de manejar.
Bill Inman concluyó la jornada de formación con una demostración de pintura al óleo de un paisaje nevado. Tras cuarenta años pintando al aire libre, Inman creó una demostración que comenzaba en el exterior y terminaba con una referencia fotográfica en el estudio. Una demostración que permitió a los participantes entender cómo tratar la representación a partir de la referencia fotográfica de forma que la imagen fuera lo más natural posible. «Cada uno de nosotros es único y tiene su propia percepción de la naturaleza, por lo que cada persona tiene que entender lo que quiere destacar y lo que no», dice el artista. Una sublime y a la vez sencilla lección de pintura plein-air que repasa varios temas difíciles como la percepción de la luz y el color. Según Inman, lo único que importa es memorizar los elementos de la naturaleza y estar receptivo, porque en el plein air la luz cambia drásticamente en cuestión de minutos. También subraya la importancia de entrecerrar los ojos para centrarse en los valores tonales y los detalles que hacen que una composición sea única y sublime.
Siempre es interesante escuchar las sesiones de demostración de los distintos patrocinadores, que imparten verdaderas lecciones, que son en efecto vehículos de información ricos y valiosos para los asistentes al evento de Streamline Publishing. Entre los patrocinadores de platino del evento está LPAPA – Laguna Plein Air Painters Association – una organización sin ánimo de lucro dedicada a promover la tradición de la pintura plein air y a preservar el patrimonio artístico de Laguna, CA. No tienes que ser residente en California para participar, sólo tienes que inscribirte en el enlace: https://lpapa-portal.org/join
Blick Art Materials es otro de los miembros platino del evento, y para la ocasión recurrió a la experiencia de dos artistas: Joe Gyurcsak, miembro embajador y gerente de Utrecht que aconsejó -para los nuevos en el arte- el uso de los óleos Utrecht, disponibles en cómodos tubos de gran tamaño que ayudan a evitar el desperdicio; y Troy Kilgore que mostró el equipo necesario, cómodo y ligero, que suele utilizar en sus sesiones de plein air.
Todo el equipo está disponible en https://www.dickblick.com
El día ha llegado a su fin y Miami Niche espera verlos a tiempo para el inicio oficial de la convención. También se recuerda a los lectores que ya es oficial: PACE -Plein Air Conference and Expo- volverá, este año en persona y lo hará del 17 al 21 de mayo de 2022, en Santa Fe, Nuevo México.
(on the title, Eric Rhoads founder of Plein Air Live event)
