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Fueron Giuseppe Prezioso -Director de Marketing de Fabriano para el Grupo Fedrigoni- y el artista Davide Siddi quienes se adentraron en el corazón de los acontecimientos de la tercera jornada de FabrianoInAcquarello.
Lo hicieron con una presentación histórica de los diferentes tipos de papel y una demostración práctica sobre el papel «Artistico», especialmente diseñado para la pintura de acuarela.
La histórica empresa, fundada en 1264, ha experimentado a lo largo del tiempo importantes desarrollos en el campo del papel y su uso. La marca de agua es un ejemplo de ello. La marca de agua es el diseño translúcido o la escritura impresa en la superficie del papel, visible cuando el papel se sostiene al trasluz. Una invención de los expertos de Fabriano que ha sido celebrada y respetada en todo el mundo desde el siglo XIII como marca de los artesanos y, posteriormente, como elemento de seguridad contra la falsificación. En su presentación histórica y técnica, Giuseppe Prezioso ilustró cómo los procesos técnicos de producción del papel tienen una importante influencia en el rendimiento del pigmento, que también merece atención en relación con el tipo de tema que se va a representar, prefiriendo el uso de un papel satinado -por ejemplo- antes que de grano fino o grueso. Davide Siddi, artista italiano que presume de la exposición de uno de sus cuadros en el Museo dell’Acquarello, actualmente expuesto en el «Museo della Carta e della Filigrana» de Fabriano, dirigió en cambio una demostración práctica sobre la reacción del pigmento en función de la granulometría del papel Artistico. «Recomiendo experimentar siempre con la calidad del papel utilizando la técnica de mojado sobre mojado, que permite entender cómo abordar la aplicación de los pigmentos», dijo Siddi a este respecto.
Keiko Tanabe, una de las principales figuras de la acuarela estadounidense, prefiere la pintura al aire libre a la pintura de estudio. En su demostración, siempre rica en información técnica, ha ejecutado tres temas diferentes: una vista de Venecia, lugar que ha visitado recientemente, la plaza de Fabriano y un grupo de artistas en plein air en el paisaje de Palermo. Mientras que en la aplicación del color procede a la gradación tonal de la atmósfera, sobre la que luego construye volúmenes y define detalles, en el resto de la composición asume los riesgos necesarios para enfatizar la dimensión emocional del cuadro. «Creo que la tarea del artista no es representar servilmente la realidad, sino mostrar las motivaciones que le llevan a elegir un tema y las emociones que surgen del proceso pictórico que son más importantes que la propia composición», dice. La motivación que la llevó a elegir las tres representaciones de Italia es la alegría derivada de la relación que ha establecido a lo largo de los años con el país y su agradecimiento a la organización que mantiene viva la tradición de FabrianoInAcquarello.
Hay artistas que expresan verbalmente sus procesos mentales durante la sesión de demostración y hay otros que prefieren delegar sus pensamientos en los gestos y la armonía del color. La italiana Cecile Agnes es una de ellas. En su demostración para Wilson & Newton, permitió que sus pinceladas, incluso fugaces, «rozaran» la hoja con pequeños toques de color transparente que se superponían gracias a su abundante uso del agua.
En su proceso compositivo, no sólo dejó que los goteos de color siguieran su curso, sino que incluso favoreció el proceso disponiendo la lámina en vertical, haciéndola protagonista de la composición para la representación poética de la obra que se centra en la definición de los ojos con su expresividad casi real.
La sesión diaria del taller estuvo presidida por el artista y arquitecto de renombre internacional Giuseppe Mazzara, que se centró en la composición de la figura humana para la demostración. Aunque está firmemente arraigado en las raíces del arte italiano del siglo XX, el artista eligió tratar el tema a través de la representación de las poses de una bailarina, un tema tan querido por los artistas franceses de finales del siglo XVIII y del XIX, como Edgar Degas y Pierre-Auguste Renoir. Mazzara, hizo posar a la modelo en diferentes sesiones de demostración de corta duración -5/10 minutos como máximo- en función de la complejidad de la pose y luego proporcionó sugerencias al público y, al ver las obras de cada uno de los participantes en el taller, ofreció sesiones de crítica personalizadas, que siempre son útiles para centrarse en cualquier error de composición. El objetivo de las breves sesiones de posado es ayudar a los artistas a tomar decisiones de composición y centrarse en las líneas esenciales que definen la figura humana.
Fue el aclamado artista Angelo Gorlini, mentor de muchos artistas importantes a los que ha ayudado a abrir su mente en favor de una pintura más libre y expresiva, quien en esta ocasión realizó la demostración para Renassans, Apa-Polska. En su práctica, el propio Angelo Gorlini abandonó la composición pictórica formal en favor de la libertad de expresión emocional. Según Gorlini: «Si se desea alcanzar un nivel superior de pintura, es necesario abandonar todas las conjeturas mentales y técnicas que llevan a tener expectativas, en favor de la libertad de expresión». Para los Renassan, Apa-Polska hizo una doble demostración en la que se utilizaron productos especiales desarrollados por la marca polaca en colaboración con la Universidad de Agricultura. En la primera demostración, en blanco y negro, utilizó un carboncillo especial con goma arábiga añadida, con el que interpretó la atmósfera lúgubre de un día de lluvia sublimemente reelaborada mediante la sola aplicación de valores tonales. «Es fundamental pintar divirtiéndose, sin partir de la expectativa de realizar una obra perfecta y, por tanto, no dedicarle más de veinte minutos. Después, si te gusta el trabajo, está bien, si no, vuelves a empezar. Sólo así tendrás la oportunidad de mejorar», dice el artista, que hizo una segunda demostración en color utilizando un polvo especial de enmascaramiento hidrófugo que, puesto antes de aplicar el pigmento, ayuda a preservar las zonas claras, que, al ser retiradas con el uso de los dedos, pueden colorearse de forma diferente, creando una atmósfera, también gracias al uso abundante de agua. Según Gorlini, en la pintura a la acuarela hay que tener en cuenta cuatro puntos destacados: el uso abundante del color, el agua, el tiempo de intervención según la sensibilidad personal del artista y la esperanza.
Fue el artista peruano Nicolás López quien realizó la demostración práctica con los colores de Daniel Smith. López creó un fascinante fragmento de un paisaje urbano en blanco y negro a partir de la hoja de papel en blanco, en el que es el agua la que hace el trabajo más importante, mientras que el artista tiene la tarea de conocer la carga de agua en las cerdas del pincel y luego gestionar su presión sobre la hoja. Al mismo tiempo, Laurin MacCraken, responsable de FabrianoInAquarello para los Estados Unidos de América, habló del «McCracken Black», un tono de negro muy intenso y no reflectante desarrollado en colaboración con Joe Cogley, propietario y director general de la empresa Daniel Smith. Laurin McCracken dijo que le fascinaban los tonos oscuros utilizados por su artista favorito: Willem Kalf, uno de los pintores holandeses de bodegones más importantes del siglo XVII. Por ello, trató de reproducir la misma calidad de negro completamente opaco y antirreflectante que desarrolló combinando ocho pigmentos diferentes y que Joe Cogley introdujo posteriormente en la paleta de Daniel Smith con el nombre de «Negro McCraken». Laurin McCracken, artista y rostro conocido entre los organizadores de FabrianoInAquarello, enseñó también la técnica correcta de aplicación de este particular color que suele utilizar en sus bodegones y que se basa en el uso de un poco de agua caliente en la que diluir el color y cuya aplicación sobre la hoja debe hacerse de forma rigurosa y sin pausa partiendo de un ángulo. Un proceso que requiere paciencia pero que ofrece resultados garantizados si se aplica correctamente.
Músico y compositor de jazz desde hace más de cuarenta años, Roberto Andreoli ha querido rendir homenaje a Jim Hall: uno de los más grandes músicos de jazz cuyo enfoque innovador e inimitable hizo de la música un vehículo de paz y un medio para compartir conocimientos.
Al igual que Jim Hall en la música, Roberto Andreoli trató de mantener su estilo pictórico lo más fresco posible apoyándose en la interpretación subjetiva de las emociones. Tras haber realizado previamente las líneas básicas del dibujo, comenzó a destacar la complexión del sujeto, prestando especial atención al rostro y las manos del músico. La presión del pincel moviéndose sinuosamente sobre la hoja de papel exactamente como las manos del artista se acercan tocando las cuerdas de la guitarra -sólo insinuada en la composición del color de Andreoli- alternó la colocación de colores cálidos con la de colores fríos. Mientras la fisonomía se engrosa con detalles cromáticos que destacan los nudillos y la expresividad del rostro, los colores cálidos de la chaqueta acompañan la composición de la figura, que emerge como un pop-up de la realización abstracta del fondo.
La última actuación artística del día, la de Pinuccia Tartarin, estuvo acompañada por las notas de Chopin. Tartarin creó un fragmento de un paisaje boscoso en el que literalmente rociaba con vigor el fondo previamente preparado en la dirección de la composición sobre el papel para recrear -con consistencia matérica- el follaje y la maleza. Vigor que alternó con el trabajo suave de las esquinas, buscadas y perdidas, con el que completó la composición.
La convención FabrianoInAcquarello, que este año se ha celebrado en el Centro de Convenciones FICO de Bolonia por razones puramente organizativas y de capacidad -dado el gran número de visitantes-, volverá mañana a la ciudad natal de Fabriano para celebrar el último día de la convención. Síganos, en Miami Niche le haremos descubrir el placer de la historia en la mágica ciudad de Fabriano, donde todo nació.
(on the title, a frame from Cecile Agnes’work in progress )
