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El MOCA -Museo de Arte Contemporáneo de North Miami-, en colaboración con la Semana del Arte de Miami, ha montado una exposición retrospectiva: ‘My name is Maryan’, que se podrá ver hasta el 20 de marzo de 2022. Maryan S. Maryan es el nombre artístico que el artista Pinkas Bursztyn -del nombre de soltera de su madre- adoptó como acto de autodefinición radical tras su liberación de los nazis, que le dejaron como único superviviente de su familia.
La retrospectiva expone las obras de este conmovedor e innovador artista, que en el transcurso de su corta pero prolífica vida -murió de un ataque al corazón con sólo cincuenta años- fue uno de los primeros artistas-testigos en representar directamente la dramática experiencia de la Shoah, al tiempo que rechazaba la etiqueta de «artista del Holocausto».
A través de su vida y sus obras, Maryan ofreció un motivo de esperanza: a pesar de ser testigo de la crueldad, la opresión y la explotación, fue un artista resistente y valiente.
La exposición, a través de esta retrospectiva, reafirma la importancia de la Declaración Universal de los Derechos Humanos de 1948 al final de la Segunda Guerra Mundial, que dice: «Los derechos humanos no existen en el ojo del que mira. Se basan, no en los caprichos de ningún gobierno en particular, sino en el reconocimiento de que todos los seres humanos, dondequiera que estén, sea cual sea su religión, sexo o raza, tienen derechos iguales e inalienables, y que todos, como miembros de la familia humana, merecen ser tratados con dignidad.
Nacido en 1927 en el seno de una familia judía tradicional de clase trabajadora, Pinkas y su familia fueron capturados en 1939 por los nazis. A partir de ahí comenzó su viaje al infierno como único superviviente de su familia. Fue encarcelado en varios campos de trabajos forzados antes de terminar en los campos de concentración de Auschwitz y Birkenau. Aunque le amputaron una pierna, se enfrentó a la muerte en más de una ocasión, pero se salvó, lo que le permitió vivir una vida que, como dice el artista, «ya no es vida».
Con el fin de la guerra, en 1947, emigró a la entonces Palestina para iniciar su formación artística, primero en Jerusalén y luego en la École des Beaux-Arts de París, donde expuso en importantes galerías, forjando un estilo propio, independiente pero adyacente a la École de Paris y al grupo CoBrA.
En la década de 1960 emigró a Nueva York, al famoso Hotel Chelsea, donde desarrolló el concepto de «personnage»: figuras históricas y de ficción -que en sus últimos años se convirtieron en el tema de sus obras- utilizadas para explorar tropos psicosexuales y caracterizadas por combinaciones de colores tan fuertes como trágicas. Los «personajes» son ricos en símbolos, como la estrella de David y las capuchas puntiagudas que recuerdan a la Inquisición española y al Ku Klux Klan, además de estar llenos de referencias esotéricas y personales. Los personajes se encuentran casi siempre en entornos espaciales claustrofóbicos, como cajas. Esto último también será representado en sus últimos años, en sus cuadernos, como una referencia directa a su experiencia en los campos nazis.
La última década de la vida de Maryan S. Maryan fue emocional y físicamente turbulenta, además de extremadamente prolífica. La enfermedad postraumática y las secuelas psicológicas de sus experiencias infantiles le abrumaron a principios de la década de 1970. Fue entonces cuando, bajo los cuidados de un psiquiatra, llenó cuaderno tras cuaderno con dibujos y textos que permiten conocer su biografía y los motivos recurrentes de su arte. Dibujos que se exponen digitalmente y en rotación en el MOCA, junto con recuerdos de la película en la que el artista relata en primera persona sus experiencias en los campos de prisioneros nazis con imágenes de otros movimientos de protesta social.
La retrospectiva presenta todas las obras que caracterizan sus etapas de vida. La exposición se abre con el único autorretrato realizado por el artista cuando era estudiante en la Escuela de Bellas Artes de París. Con reminiscencias de los cuellos alargados de Modigliani y del estilo de Chaïm Sautine, la obra parece un joven tranquilo y sereno. Al examinar la obra, es posible ver una de las balas recibidas por los nazis bajo su ojo izquierdo.
La reconstrucción de la habitación del Hotel Chelsea de Nueva York lleva al espectador a una experiencia de inmersión en el entorno del artista. El Hotel Chelsea de Nueva York, también llamado la «Isla Ellis de la vanguardia», fue un enclave bohemio utilizado como casa-estudio por artistas como Jackson Pollock, Tennessee Williams y Niki de Saint Phalle, y fue el centro neurálgico del arte. Entre las obras expuestas en la sala del Hotel Chelsea de Nueva York se encuentran, además de algunos objetos que Maryan coleccionó, algunos cuadros de crucifixión, pinturas redondas y un raro políptico. En las pinturas de la crucifixión, que enfatizan el tema del victimismo y el sacrificio, Maryan se refería a menudo al sufrimiento humano de Jesucristo, representando a personajes singulares en estados exagerados de angustia y sufrimiento. Las pinturas redondas hacen referencia a las «cabezas de Wawel», obras realizadas en el taller de los escultores góticos Sebastian Auerbach y Hans Snycerz hacia 1540 e instaladas en el artesonado del castillo de Wawel. Las cabezas realizadas por Maryan son típicas de su estilo. En la sala hay también muchas máscaras de origen africano, oceánico y mexicano, que representan para el artista un claro alejamiento de las convenciones occidentales del realismo en favor de la abstracción. Son una inspiradora réplica al canon de la tradición artística occidental, que durante siglos ha favorecido el retrato realista y la belleza idealizada derivada de los antiguos estándares grecorromanos en favor de los rostros que han proporcionado otra forma de imaginar la expresividad del rostro humano.
Maryan solía trabajar en serie, explorando variaciones de un mismo tema. Su esposa Annette escribió sobre sus hábitos de estudio que: «La pintura era su ‘liberación’ y una vez que empezaba a trabajar en un lienzo, normalmente intentaba terminarlo el mismo día».
Si el uso exuberante del color es una de las características de la obra de madurez de Maryan, el uso de la tinta negra -que pone de manifiesto las habilidades artísticas de Maryan- fue un aspecto singular y definitorio de su práctica en la serie Blanco y Negro. En esta serie, la artista evoca una serie de antecedentes históricos del arte que han influido en su desarrollo, desde Goya a George Grosz y Max Beckmann a Fernand Léger. En esta serie representa algunos de los personajes que también aparecerían en sus obras durante las décadas siguientes: la figura masculina con orejas de burro, una figura torturada con las piernas en el aire y figuras con extraños sombreros puntiagudos.
El ritmo vigoroso y liberador del artista queda patente en la serie de dibujos al pastel de Napoleón realizados en 1973-74, en los que Maryan transforma al líder francés Napoleón Bonaparte (1769-1821) en una caricatura grotesca del absurdo y la crueldad humanos.
Mientras que el atuendo militar y el característico sombrero de ala ancha son elementos que permanecen inalterados en la serie de Napoleón, el personaje se muestra en varios estados de angustia: sudando, vomitando, con la cabeza obstruida. La elección de Napoleón como tema parece estar vinculada a la complicada relación de Maryan con la Francia militar y a la denegación de la ciudadanía por parte del gobierno francés.
Maryan fue un estudiante voraz y astuto de los antiguos maestros que le precedieron y que fueron musas inspiradoras para él, a los que se refiere varias veces en la serie «Después de ….». Entre los artistas que más le inspiraron se encuentran: Velázquez, Hals, Rembrandt, Vermeer y, sobre todo, Goya, que con su obra «El Tribunal de la Inquisición», representa la barbarie y la tortura pública de los «herejes» judíos por parte del clero católico español.
La exuberante escena artística del Hotel Chelsea de Nueva York la vivió por primera vez en París durante sus años de estudio en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en 1950, donde, aunque nunca se alineó con ningún grupo artístico en particular, conoció a figuras emblemáticas y consagradas, símbolos del arte de posguerra, entre ellas: Pablo Picasso, Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, su antiguo profesor Fernand Léger y Jean Atlan. Este último, artista y poeta franco-argelino, en particular, fue uno de los principales exponentes del colectivo CoBrA -nombre derivado de la contracción de Copenhague, Bruselas y Ámsterdam- que fascinó especialmente a Maryan. El grupo CoBrA, al abolir las divisiones entre arte figurativo y abstracto, se opuso políticamente al nazismo y favoreció las prácticas artísticas experimentales: arte no occidental, obras de niños y pacientes psiquiátricos, creando una visión única del modernismo. En la galería del MOCA, las primeras obras clave de Maryan se yuxtaponen a una selección emblemática de obras de artistas de CoBrA del NSU Art Museum Fort Lauderdale.
El periodo más prolífico de Maryan fue en Nueva York, desde los años 60 hasta su muerte. En la ciudad norteamericana comenzó a exponer en la Allan Frumkin Gallery, forjando amistades con artistas tan famosos como H.C.Westermann y June Leaf, Leon Golub y la «Monster Roster», artistas del Chicago de mediados de siglo. El periodo americano de Maryan incluye varios cuerpos de trabajo distintos que amplían su paradigma de carácter ligado a temas psicosexuales en los que surgen formas fálicas de serpiente con figuras humanas. Hacia finales de los años 60, los personajes de Maryan se vuelven más abstractos y frenéticos. A menudo están pintados sobre fondos sólidos con colores brillantes que contrastan con las formas humanoides, muchas de las cuales se reducen a sólo manos y bocas.
La identificación judeo-cristiana de Maryan se explora explícitamente en la película que realizó en 1975 en colaboración con su amigo y colega Kenny Schneider titulada: «Ecce Homo», que representa la culminación de la elaboración de sus experiencias como un intento de crear una equivalencia entre el Holocausto y las luchas sociopolíticas de la época. La película, que toma su nombre de la frase latina utilizada frecuentemente en el arte cristiano, es un relato trágico y conmovedor realizado en primera persona por Maryan, utilizando imágenes fijas de acontecimientos históricos contemporáneos e imágenes de temas políticos controvertidos de la época. La representación es un grito de dolor y piedad por una vida que no fue nada fácil, en la que la idea de matar a un alemán resulta ser una buena solución sólo a nivel mental porque, de hecho, la artista, declarándose incapaz de matar a un ser humano, dispara en su lugar a maniquíes que representan a oficiales alemanes con bayonetas.
My name is Maryan sitúa las complejas obras de este artista en un gran relato de la historia del arte europeo y estadounidense de posguerra, en el que Maryan forja una forma de humanismo provocador y a la vez cuestionador que ha bautizado como «pintura de la verdad».
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