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Mientras que los diversos museos de Miami y Fort Lauderdale reabrieron después del largo cierre debido al Covid-19, el Museo FRIST de Nashville cerró las puertas de la exposición «En busca de lo sublime», la muestra que puso de relieve a uno de los más grandes y reconocidos pintores paisajistas de Occidente: Joseph Mallord William Turner (1775-1851). La exposición exhibía óleos, acuarelas y bocetos evocadores de uno de los más grandes artistas del Romanticismo inglés. Las piezas de la exposición fueron seleccionadas por el Tate’s Turner Bequest: la mayor donación de obras de arte jamás realizada a la Galería Nacional, consistente en casi 300 óleos y unos 30.000 bocetos y acuarelas, incluidos 300 álbumes de dibujos, legados por el artista en su testamento, que, sin embargo, incluía también dos cláusulas anticipatorias al legado. El artista quería que sus obras se mantuvieran juntas y que dos de sus obras, «Dido construyendo Cartago» y «El sol saliendo a través del vapor», se mantuvieran junto a «Paisaje con el matrimonio de Isaac y Rebeca (El molino)» y «Puerto marítimo con el embarque de la reina de Saba», obras de su inspirador y «competidor a posteriori» Claude Lorrain. Después de varias vicisitudes, entre ellas una disputa por la herencia de sus nietos, varias batallas, entre ellas la de Waterloo, y numerosos traslados, desde 2011 el artista ha restaurado en parte las condiciones en las que se conservan la obra de Claude Lorrain y la de Turner junto con la Galería Nacional.
La importancia de Turner en la historia del arte inglés ha hecho que se recuerde al artista con el Premio Turner, el premio otorgado por la Tate Gallery al artista, menor de cincuenta años, que se cree que ha dado un valor significativo al arte inglés. Este premio no se ha concedido desde hace tres años por razones de la importancia del arte contemporáneo en comparación con el arte de Turner.
Nacido en Maiden Lane, Covent Garden, Londres, en una familia modesta de J.M.W. Turner ha vivido en Londres toda su vida aunque ha viajado mucho (muy por encima de la media de la época) y siempre en solitario, tanto para Inglaterra como para Europa, residiendo particularmente en Suiza e Italia. Los paisajes de los Alpes despertaron un fuerte interés en él que lo influenció durante toda su vida. Los paisajes alpinos estaban de hecho entre sus temas favoritos representados por dos artistas franceses que Turner admiraba: Nicolas Poussin y Claude Lorrain. Lorrain, en particular, estableció en Turner una especie de desafío amoroso que le inspiró a crear varias obras con las que, al mismo tiempo y sin haberlo declarado públicamente, se había propuesto un desafío personal en la creación de obras que podrían ser aún más fascinantes en comparación.
J.M.W. Turner fue un pintor y acuarelista de la era romántica, la corriente artística, que se centró en la emoción y nació en respuesta al énfasis de la Ilustración en la razón. Después de todo, la emoción es visible en sus obras, desde el uso expresivo del color, hasta los paisajes imaginativos y sobre todo en las turbulentas y a menudo violentas pinturas de paisajes. De hecho, sus paisajes han cambiado el destino del arte paisajístico, organizado según la jerarquía del arte que le impartió Joshua Reynolds -maestro de la Royal Academy of Arts de Londres- en un segundo plano junto con el retrato y la naturaleza muerta porque se consideraban «mera transcripción» de la realidad, a diferencia de las pinturas históricas que documentaban acontecimientos históricos, literarios, bíblicos y mitológicos y se consideraban la esencia pura del arte. La Real Academia de las Artes de Londres jugó un papel fundamental para Turner que estudió y exhibió sus obras allí regularmente. Para las obras que fueron «descartadas» por la Real Academia estableció una galería personal en la que exhibió y vendió su trabajo a diferentes coleccionistas privados (a los que posteriormente compró las mismas obras, para tener un mayor legado que ofrecer a la Galería Nacional). J.M.W. Turner fue capaz de demostrar a través de su carrera artística que una pintura de paisaje puede tener la misma complejidad y poder expresivo que las pinturas históricas.
El artista era muy tímido y solitario y parece que entre las razones que le llevaron a ser muy reservado estaban la enfermedad mental de su madre y el hecho de que, habiendo entrado en la alta nobleza, mostrar sus pobres orígenes era una fuente de vergüenza para él. Sin embargo, J.M.W. Turner había comenzado a exponer en el taller de su padre, quien estaba orgulloso de su hijo y más tarde se convirtió en su ayudante y manitas. La tienda en la que vendía pelucas estaba situada cerca de una zona llena de estudios de arquitectura y Turner acabó trabajando en un estudio de arquitectura: sus acuarelas actuaban como la representación actual para los clientes potenciales que podían tener una idea más clara de la obra terminada. Aprendió tan bien el dibujo arquitectónico que su obra fue continuamente demandada y él mismo comenzó a incluir en sus pinturas obras arquitectónicas inmersas en la exuberante naturaleza de Inglaterra, los mismos paisajes celebrados por los versos de William Wordsworth, llenos de arquitectura decadente con sabor medieval.
J.M.W. Turner alcanzó en su trabajo preparatorio, realizado entre Inglaterra y Europa, la cúspide del dominio de la técnica de la acuarela: él y otros han llevado esta técnica a la celebración y promoción de la acuarela como un «arte nacional» claramente inglés.
Comenzó entonces a trabajar en el óleo, comenzando con las bases de la acuarela con la que hizo las pinturas en plein air, que luego reelaboró en su estudio. Turner no tenía un método preciso para proceder: simplemente añadió capas de color hasta que no pudo procesar la imagen que tenía en mente. Para terminar la imagen, usó el color del cuerpo, el borrador, la pluma, la tinta, y usó su miniatura para rascar el color hasta que encontró el blanco del papel que se usó para resaltar la obra. Viajando y entrando en contacto con la majestuosidad de la naturaleza, nació en él la idea de la «estética de lo sublime». La estética de lo sublime invierte esencialmente la relación del hombre con la naturaleza pero el concepto de J.M.W. Turner se opone a la concepción clásica de la «belleza»: tanto para el artista como para los románticos, la naturaleza no es inmutable y está impregnada de una grandeza tranquila como la de los pintores neoclásicos, sino que está sacudida por una infinita energía destructiva y creadora a la vez, que la transforma incesantemente; a ella corresponde especularmente la naturaleza humana, que no es una racionalidad árida, sino más bien un tumulto de sentimiento, de instinto, de pasión. La estética de lo sublime es visible sobre todo en sus paisajes marinos, por los que se sintió fuertemente atraído.
Se hizo famoso y comenzó a colaborar con algunos editores y grabadores para producir una serie de vistas, la primera de estas series fue «Vistas pintorescas de la costa sur de Inglaterra», publicada en folletos. Además de ser un artista, habiendo crecido en el taller de su padre, era también un hombre de negocios y con sus ilustraciones los libros se vendían más, por lo que pudo aprovechar las cláusulas pesadas de las editoriales debido a su alboroto.
Aunque la mayoría de los historiadores afirman que la maduración de Turner se produjo después de su estancia en Italia en la década de 1920 después de su muerte, se encontraron muchas pinturas y bocetos, incluyendo algunos inacabados y comienzos de color, que muestran cómo comenzó su fase antes de su viaje. Turner cambió sus paisajes naturalistas en verde y marrón por el amarillo como color dominante en la paleta. Durante más de 15 años utilizó un papel azul claro para sus acuarelas, que le sirvió como un medio tono perfecto para los tonos del agua y el cielo y que le permitió utilizar colores complementarios de una manera totalmente nueva, anticipándose a los Fauves por casi un siglo (aprox. 1905).
Venice, the Bridge of Sighs, by J.M.W. Turner, exhibited in 1840. Oil on canvas, 27×36″. Tate, 2019.La fase de madurez de Turner consistió en la evolución de su estilo personal, como había hecho Tiziano, del que era ferviente admirador, en particular Turner dejó de utilizar las líneas de contorno en favor de las manchas de color de diferentes tonos con las que representaba los objetos de la obra. Según el crítico de arte John Ruskin en este sentido definió la obra «Ulises se burla de Polifemo» como: «El cuadro central de la carrera de Turner», superior incluso a la obra «El fuego de las Cámaras de los Señores y los Comunes», 16 de octubre de 1934). Turner solía exhibir obras inacabadas, que también completó con la base de las obras que rodeaban al artista, eclipsando sus colores con otros más brillantes, en particular los de su amigo y rival contemporáneo John Constable. Entre los diversos temas abordados al final de los días, a menudo se repite la comparación entre Londres y la antigua Roma, tema que también fue acogido por la Academia Real en la que participó Turner. Su obra más famosa en este sentido es «Julieta y la enfermera», fechada en 1836, en la que el artista representa simbólicamente el drama «Romeo y Julieta» de Shakespeare, con una representación mágica del uso de los colores. La poética es también la representación de un barco de vapor destinado a la demolición en una época en que los trenes habían desviado la atención de los barcos de vapor, en la obra » «El valeroso Temeraire en el último fondeo para ser demolido 1838”.
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