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Realism Live atrae a gente de todo el mundo que se conecta a cualquier hora del día o de la noche – por una buena razón – para asistir a esta extraordinaria convención. Es el ambicioso paisajista inglés Erik Koeppel quien inaugura la segunda jornada de Realism Live, quien con ocasión de la demostración procede a la ejecución de un dramático paisaje de montaña que se compone de capas sobre capas en un continuo ir y venir que le permite reproducir fielmente la imagen y los sentimientos que el paisaje ha suscitado. Erik Koeppel es un defensor del renacimiento de las técnicas y la filosofía de la Escuela del Río Hudson y como él mismo dice: «para mí la pintura es una conversación entre yo y la naturaleza (…) Después de años de dibujar y pintar en vivo puedes entender cómo puedes representar las emociones que la naturaleza despierta en ti a través de las experiencias que tú mismo has hecho de la realidad». Una conversación indudablemente capaz de despertar emociones – añado – y que se manifiesta magníficamente en sus lienzos: la búsqueda de lo sublime por parte de Turner, que reaparece en la imagen montañosa de la naturaleza salvaje representada por Koeppel.
Una intensa conversación siguió a eso entre Peter Trippi y Daniel Graves. Graves es un personaje que no necesita presentación: es el fundador de la Academia de Arte de Florencia, abierta en la ciudad de Médicis hace unos 30 años. La fuerza motriz de la Academia de Arte de Florencia, que cuenta con un centenar de miembros a tiempo completo de 30 países del mundo, de los cuales sólo 5 son italianos (estas cifras hacen pensar a los italianos), se basa en la enseñanza de los fundamentos del dibujo clásico, materia que las conocidas academias estatales de arte ya no atienden debidamente y que se basa en tres simples reglas: proporción-diseño-traducción. Una conversación pero también una reseña histórica entre los grandes que han contribuido a hacer fundamental el estudio de los cánones y las proporciones, de la luz -la forma- y de las sombras -la atmósfera-, porque como dice el maestro Daniel Graves «entre el pasado y el presente hay un fino hilo que los une en el que todo está conectado». Agradeciéndole que nos haya dejado «echar un vistazo» a su estudio, le felicitamos por su último trabajo «Pigmalión» que mira con reverencia la Metamorfosis de Ovidio en forma de una espléndida mujer capaz de renovarse continuamente en un siglo de grandes cambios.
El irlandés Conor Walton no ha dejado espacio para demostraciones reales al centrar la atención en el análisis técnico de los pigmentos, dos en particular: el blanco y el negro, siendo este último definido por algunos como no colorido y alguien más que alaba su presencia para evitar formas extrañas y supersticiosas. Conor, un erudito y profesor de la Escuela de Verano de Conor Walton, pero antes de eso un artista, dice sobre el negro, que considera fundamental entre los colores: «sin el negro habría dos grandes problemas: no se podría lograr el negro más intenso y no se podrían obtener muchos otros tonos de color». Además de demostrar las tres variedades de blanco (blanco de titanio, blanco de plomo y blanco de zinc) y negro (negro de marfil, negro de Marte y el reciente negro de Spinel, en forma de polvo) y su reacción a la aplicación y su combinación cuando se mezclan en proporciones iguales y en presencia de un disolvente. Conor Walton como un excelente artista – su currículum lo dice todo – produce sus propios colores moliendo finamente el material hasta convertirlo en un fino polvo. Un trabajo que si está bien hecho puede ser ciertamente positivo, sin embargo, debemos recordar que el proceso es largo y laborioso porque se hace a mano, durante horas, con un mortero.
Todos somos aparentemente alérgicos a las sesiones críticas pero su importancia es aún más importante si las realiza un profesional. Realism Live también ofrece esta oportunidad. Del análisis de las obras sometidas a crítica que Mortenson ha precisado sin embargo para definir las «grandes obras» los principales problemas se encuentran en la elaboración anatómica del dibujo, en la perspectiva y en la variación del valor del color. Canalizarte: libros, tutores en mano pero sobre todo mucha práctica: ‘Sigue pintando a todos’, como dice Mortenson!
Una gran sorpresa es la de Stephen Bauman, originario de Tennessee, que se mudó a Miami donde participó activamente en el resurgimiento del arte callejero de la ciudad con su hermano. Bauman estudió en Italia y ahora vive en Noruega con su esposa. Sus habilidades dialécticas, su generosidad para dar consejos son tan notables como su habilidad técnica. Su paleta es limitada y «la proporción, la construcción y la ligereza» son los principios rectores de su trabajo. Para los que le siguen ofrece tres consejos: conocimiento del diseño; buena organización de la paleta y de los materiales de trabajo y el tercero, un camino intermedio entre el aviso y el consejo el uso de los materiales que utilizó en la demostración son absolutamente personalizables y en consecuencia dice: «atrévete e inténtalo: no hay garantía si no es la de su propia producción».
Es con un gesto gentil que Juliette Aristides concluye la convención representando, a tamaño natural, un clásico del carbón de P. J. Proudhon, un artista estudiado en los estudios de arte. El mundo de los ateliers no es desconocido para Juliette Aristide porque además de haber estudiado como artista es también la fundadora del Atelier Aristides en la Academia de Arte Gage en Seattle, Washington. Tanto la obra de Proudhon como la representación de un desnudo vivo para el cual la hoja ha sido espolvoreada con carbón, son un continuo correr de líneas de referencia y diagonales que se entrelazan para dar lugar a las líneas redondeadas, sombras y luces que definen las formas de la modelo. «En el arte existe una extraordinaria oportunidad de celebrar el desnudo, una costumbre que se remonta a la antigüedad y que con asombro nos lleva a representar el desnudo aún hoy en día, descubriendo cada vez la belleza inherente a la figura» dice Arístides. El proceso del tamaño de la vista es exactamente el propuesto por Charles Bargue y estudiado en el atelier y requiere tiempo, precisión y control continuo de las medidas, ángulos y proporciones porque los fundamentos del dibujo son la parte más importante del proceso artístico.
Un concepto que se repite sin cesar en estos dos días de convención que Realism Live permite poner en práctica tanto durante la sesión como al final de la convención diaria donde se invita a todos los participantes a poner en práctica los conceptos dados y a trasladar su trabajo en los sociales cuidando de adjuntar el hashtag #realismlive.
