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Gran sorpresa hoy para el personal y el público de Watercolor Live, que ha recibido la visita sorpresa de Eric Rhoads, actualmente «enfermo», pero que no ha podido resistirse al evento.
«Es la sutileza de los detalles lo que ayuda a contar la historia de quien estamos retratando, y a veces hay que usar un poco la imaginación», dijo el artista Michael Holter, que inauguró la segunda jornada de Watercolor Live. Holter creó un retrato en vivo de un viejo vaquero de Fort Worth. El artista afirmó durante su demostración que es completamente improbable encontrar dos obras de acuarela idénticas. Una imposibilidad debida a que la acuarela es un medio muy expresivo y, en consecuencia, muy personal.
Al elegir la imagen, el artista ha realizado de hecho una doble demostración: retrato (con la imagen del vaquero a la derecha) y paisaje (con el paisaje representado a la izquierda del fondo). El artista completó el trabajo a lo largo del día, conectándose de vez en cuando para describir los progresos realizados. Este enfoque, ya probado con Realism Live, fue muy apreciado por el público.
«La acuarela transparente es estupenda porque se puede ver a través de las capas», dice el artista, que siente un respeto «religioso» por el uso de las sombras.
Para Holter, la acuarela es un medio extraordinario que puede representar innumerables gradaciones de una manera que pocos otros medios pueden. Cuando hacía el dibujo preparatorio, no especificaba mucho los detalles, delegando la libertad de expresión en el color. El trabajo de acuarela comenzó con lavados que le ayudaron tanto a cubrir el blanco del papel -que siempre es engañoso a la hora de determinar los tonos de valor- como a conseguir un tono general dejando claras las zonas brillantes del rostro.
«Michael siempre hace que esto parezca tan sencillo», dice S.M.
Comenzó destacando la importancia del dibujo el artista Amit Kapoor, embajador de Mijello Mission Gold Watercolor, quien dijo sentirse más cómodo representando un paisaje en plein air. «Pintar es un reto, así que acepte el desafío», dijo el artista, que afirma no captar más del 70-80% del paisaje que ve, en sus composiciones. «No es necesario utilizar muchos colores, sino que es importante aprender a trabajar con una familia de colores», dice Kapoor, que utiliza mucho el lavanda, el azul ultramar y el verde cobalto para mantener la armonía cromática. En sus pinceladas, el artista se movía muy rápidamente, procediendo con una escala más ligera de derecha a izquierda, para respetar la iluminación natural de la composición. «La fórmula consiste en jugar con la luz y la sombra», dijo el artista, que al jugar con la escala de valores de las sombras sacó a relucir pequeños detalles pop u.p «Es muy sinfónico de ver», dijo un participante.
Kathleen Giles es una galardonada artista y profesora que lleva casi treinta años pintando a la acuarela, trabajando con ambas manos simultáneamente. Aunque es una virtuosa de todos los géneros artísticos, ha creado una demostración floral con la técnica de mojado sobre mojado que puede aplicarse en cualquier lugar.
Comenzó con lavados y para controlar la cantidad de agua en el pincel utilizó un secante, similar al que Joe Miller hizo ayer. Al pintar, Giles comenzó cubriendo el complicado fondo con cuidado de no mojar la flor central. Cuando la composición estaba casi completamente seca, terminó el pistilo -previamente cubierto con la máscara- y los numerosos matices de los detalles. «Kathleen, me encanta tu enfoque de las flores. Me encanta hacer flores, así que su demostración es exactamente lo que necesito», dice un participante entusiasta. El cuadro completo tardó cinco horas y media en completarse y sólo hacia el final de la composición abandonó la referencia fotográfica para ajustar los contrastes de color sobre los que la artista finalmente roció agua.
El ilustrador arquitectónico Steward White transformó un edificio en desuso en una espectacular escultura paisajística. El dramático cielo hizo que la composición fuera aún más fascinante y teatral. White se acercó a la pintura haciendo un rápido boceto plein air a gran escala. Fue admirable ver cómo el artista se adapta al clima y a la imprevisibilidad de la naturaleza, que tradujo en una marca sobre el papel. En los bocetos, plasmó las luces y posiciones de los elementos que consideraba interesantes para la narración. «En la escena quiero destacar que no es tan crítico ser fiel a la naturaleza, es importante tomar lo que se ofrece y reelaborarlo», dijo el artista. Para el boceto de exteriores, se ayudó de una gran tabla de Judson Outfitters. «Es genial para colocar papeles grandes», dijo White.
En el boceto captó los elementos naturales como si fueran una composición abstracta. Comenzó representando las grandes formas y luego realizó las sombras y la luz reflejada, haciendo así de los elementos de la composición, los grandes actores de la escena. Una vez terminado el boceto, White terminó la obra en el estudio, perfeccionando los detalles. Para los amantes del plein air, Steward White estará en Francia en septiembre para un taller en colaboración con Workshop France, patrocinador de Watercolor Live. Para más información, visite este enlace: https://workshopsinfrance.com/stewart-white-watercolor-workshop/?et_fb=1&PageSpeed=off
La sesión de crítica es siempre un punto delicado para los artistas. Al mismo tiempo, la crítica facilita el proceso de aprendizaje y resolución de problemas. Para Watercolor Live, esta importante sesión estuvo a cargo del ojo experto de John Salminen, un artista galardonado con un sentido del humor único.
Salminen analizó algunas de las obras presentadas por los participantes, destacando los problemas más comunes relativos a: los valores de color y tono, la perspectiva, la diferente interpretación de una imagen fotográfica en relación con la naturaleza y el equilibrio de la composición. «Hemos aprendido mucho analizando el trabajo de los otros artistas», dijo S.W.
La magia de la acuarela de Chien Chung-Wei cautivó a todo el público. Lo hizo de forma espontánea, rápida y sin vacilar. Lo hizo de forma espontánea, rápida y sin titubeos, del mismo modo que da pinceladas fuertes y precisas, «como los movimientos de Bruce Lee», dijo sonriendo. Chien Chung-Wei es el primer artista taiwanés que se ha convertido en Miembro de Firma y Dolphin Fellow de la American Watercolour Society.
El artista no recuerda exactamente cuándo empezó a pintar con la técnica de la caligrafía japonesa, que aprendió de niño. Lo cierto es que su espontánea aproximación a la acuarela hizo de la demostración un espectáculo apasionante. «Mi habilidad con la acuarela es una ambición para el arte que aún tengo que aprender», dice el artista, que hace que las diferentes zonas del cuadro hablen entre sí como si fueran personajes de un escenario. Lo fundamental del enfoque de la técnica es hacer un dibujo -muy rápido y poco refinado- en el que capta los rasgos más destacados que hay que recordar, los más extraños y ambiguos. Una vez enfocado el tema de la composición, la atención se concentra en las sombras.
Chung-Wei comenzó con la elaboración de sombras claras y luego pasó a los semitonos y valores más oscuros. Durante la representación, el público fue testigo de prácticas artísticas únicas, como la pincelada rápida y precisa seguida de tres trazos y la plasticidad con la que utilizó todas las superficies del pincel, a 365 grados.
«Menos es más» es el lema que Chung-Wei repitió continuamente durante la demostración, manteniendo la presión de la mano ligera y constante. Los bordes de los trazos realizados por el artista con un pequeño trozo de tela, que también utiliza para equilibrar el valor tonal de la composición, también fueron emocionantes.
Entre los patrocinadores de la jornada se encontraba Jeff Olson, Director de Educación Artística de Royal Talens North America. Además de ser representante de Royal Talens, empresa holandesa fundada en 1899, Olson es también un artista con treinta años de experiencia.
En la demostración de hoy, hizo una interesante aparición histórica y técnica sobre la acuarela y el gouache, demostrando que siempre hay algo que aprender incluso de la composición de los materiales. «Los pigmentos de la acuarela y el gouache son los mismos, lo que los diferencia es la densidad de la pigmentación, más alta en el gouache que en la acuarela», dice Jeff Olson. La intensidad de la saturación del pigmento también es clave para distinguir los materiales de calidad del resto, como demostró en la demostración de la tarde Dena Peterson con las acuarelas Van Gogh.
Otro de los miembros platino patrocinadores de Watercolor Live es LPAPA, Laguna Plein Air Painters Association.
LPAPA es una asociación fundada en 1996 con la misión de preservar la historia del movimiento plein air del siglo XIX en California. Su misión es construir y promover el reconocido patrimonio de pintura de paisaje de Laguna Beach, CA.
Como demostró ayer Daniel Marshall, miembro de la LPAPA, la asociación es capaz de mejorar la visibilidad y el sustento de sus miembros a través del prestigioso Plein Air Invitational y de muchas otras oportunidades, como programas, exposiciones y galerías, a lo largo del año. La LPAPA es una comunidad de artistas con miembros de toda América, lo cual es una gran razón para unirse a esta prestigiosa asociación. Puede hacerlo en el enlace: https://lpapa.org/join/
(On the title, Michael Holter’s final painting)
