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Eric Rhoads y Peter Trippi hicieron los honores de la inauguración oficial de la tercera edición de Realism Live, el evento exclusivo dedicado íntegramente al realismo contemporáneo.
Realism Live no sólo cuenta con la participación de un profesorado y un público internacional procedente de 49 estados de 20 países de todo el mundo, sino que también presenta una oportunidad verdaderamente única de aprender de algunos profesores que se han despojado de su condición de docentes para dedicarse exclusivamente a la actividad artística. Profesores que han vuelto a enseñar en Realism Live, dejándose cautivar por el entusiasmo desbordante y apasionado de Eric Rhoads, Peter Trippi y todo el impecable equipo de Streamline Publishing.
La tercera edición de Realism Live comenzó con una explosión en comparación con las tradicionales jornadas de demostración. El mérito es probablemente de los dos módulos de demostración propuestos por los organizadores para esta edición, que han encontrado el entusiasmo del público: en el primero, Michelle Dunaway hizo un retrato en directo de Peter Trippi; en el segundo, Karen Offutt, conectada en directo desde el estudio de Texas, hizo un retrato en directo durante todo el día.
Fue Michelle Dunaway quien abrió los bailes. Lo hizo de una manera exquisita y absolutamente espontánea con su sonrisa radiante que entró en diálogo con su amigo de siempre, Peter Trippi: redactor jefe de Fine Art Connoisser Magazine y sobre todo un personaje tranquilo y veladamente irónico que aceptó con honor ser retratado por este notable artista.
Famosa sobre todo en el entorno de la Portrait Society of America de la que es miembro de la facultad, Dunaway ha recibido prestigiosos premios y galardones. También se sabe que fue la alumna preferida de Richard Schmid: el famoso artista fallecido hace un par de años al que se le atribuye haber contribuido a la popularización de la pintura Alla Prima. La pintura alla prima es una técnica de pintura al óleo popularizada por la escuela flamenca en el siglo XIV que consiste en pintar húmedo sobre húmedo. Requiere una buena dosis de destreza, combinada con un control absoluto de las herramientas del artista, que se deja guiar por el instinto en el proceso de composición sin olvidar nunca las reglas básicas. Un proceso que puede infundir miedo, sobre todo a los que se acercan a esta técnica por primera vez, pero, como reitera Dunaway, vale la pena aceptar el reto porque: «La perfección se basa en el miedo, la excelencia se basa en la fe», dijo el artista.
El retrato de Peter Trippi fue realizado en su estudio de Nueva York: un entorno con una luz un tanto compleja de manejar y que inmediatamente abrió una reflexión sobre la importancia de la luz natural y la importancia de retratar al sujeto del natural, con todos los diversos trucos que ello conlleva.
Lo que tienen en común Michelle Dunaway y Peter Trippi, además de su elocuencia, profundidad de pensamiento y conocimiento de la historia del arte, es que ambos consideran el proceso de composición tan importante como el resultado final, porque como dijo Peter Trippi: «El proceso es parte integral del viaje». De hecho, es durante la sesión de posado cuando el artista capta los matices esenciales del sujeto que tiene que representar. Matices que representan la esencia misma del realismo y que, a partir de la representación del sujeto y de lo que se siente en ese momento concreto, confieren una intimidad extraordinaria que absuelve al realismo de la definición estéril de mera copia de la realidad. Matices que también pueden ser divergentes en función del nivel de conocimiento de los interlocutores, como afirmó la propia Michelle Dunaway, refiriéndose a dos retratos suyos realizados por Richard Schmid y Michael Shane Neal, otro gran personaje destacado.
Sin embargo, lo que más llama la atención de Michelle Dunaway es su extraordinaria capacidad para captar la esencia del sujeto desde las primeras pinceladas, como demostró en sus dos retratos de Peter Trippi y H. Lyon, ejecutados posteriormente en la sesión de demostración como embajadora de arte de Royal Talens, cuyos óleos de Rembrandt utiliza.
El proceso de composición de Dunaway se desarrolla desde el punto focal del retrato hacia el exterior. Un punto focal que no necesariamente realza el ojo en sí, ya que Dunaway también encuentra muy interesantes las líneas de expresión o el ángulo de la ceja. Otra particularidad del estilo de Dunaway es la atención al gesto más que al detalle, y la creación de bordes, sobre los que dice: «los bordes son música en mis cuadros». Esta es una particularidad que comparte tanto con el maestro Richard Schmid como con su pintor favorito, John Singer Sargent.
En su evolución compositiva y su adhesión a las reglas básicas, Dunaway ha demostrado que prefiere desprenderse de la perfección de las líneas siguiendo la emoción y el flujo natural de los elementos. Lo hace de forma espontánea, sin dejarse perturbar por la presión y el miedo. Esto es de gran importancia, sobre todo para las generaciones más jóvenes, que sienten el peso de la actuación con mucha fuerza y a las que el artista aconsejó: «Hay que mirar el tema con «ojos más suaves»: estar a gusto con la pintura y ser tan espontáneo como cuando se es niño». Además, basándose en su experiencia personal, Dunaway reiteró la importancia de estudiar a los antiguos maestros en directo en los museos: «Ningún libro, por bueno que sea, puede reproducir la plenitud y los matices del cuadro visto al natural». Según el artista, copiar a los grandes del pasado en los museos permite comprender ante todo cómo observaban la naturaleza, haciéndose preguntas y buscando respuestas. Un factor incluso más importante que la propia técnica.
La artista tejana Karen Offutt creó un retrato en tiempo real, mostrando los distintos pasos de composición desde el principio hasta el final del proceso.
Su amor por el arte figurativo y su búsqueda de una escuela que imparta los conceptos clásicos del arte representativo llevaron a Karen Offutt a encontrar su propia dimensión con el tiempo y a fundar, en colaboración con Jennifer Balkan y Raz Seri, Atelier Dojo en Austin, TX.
Atelier Dojo se basa en un riguroso programa académico y ofrece una formación clásica impartida al estilo de la academia francesa y los ateliers del Renacimiento italiano.
En la sesión de demostración, Offutt, mientras trabajaba en un retrato en el estreno, mostró todos los pasos necesarios para la creación de un retrato realista, empezando por la importancia de la observación directa, cuyas características permiten distinguir la ejecución de un retrato realizado a partir de una imagen fotográfica de una imagen de tamaño natural, ya que: «Las diferencias son visibles no sólo en la percepción de la luz y el color, sino también en la realización de los bordes», dijo el artista. Pintar del natural, en presencia de un modelo, es esencial para el artista porque la falta de tiempo, debida al momento de la sesión de posado, exige la búsqueda de soluciones en el futuro inmediato y permite fijar la información necesaria.
Tras llevar a cabo un primer proceso de composición descomponiendo las piezas individuales en grandes formas, se centró en la idea general de la luz y la sombra. «Se trata de un proceso mental que no es fácil de poner en marcha, pero que se convierte en algo natural con una práctica constante y rigurosa», dice el artista al respecto. A medida que avanzaba, añadía gradualmente información refinando los detalles con un pincel más pequeño y transacciones suaves de valores tonales y de color.
La observación del natural ayuda a la percepción de los colores ópticos y Offutt mostró un gran respeto por los tonos de los flashes, que hizo lo más fieles posible a los originales y mantuvo distintos a pesar de la composición armoniosa y de múltiples capas que hace que la imagen sea profunda y tridimensional. Además del uso frecuente del espejo para controlar la pintura, Offutt se refería a menudo a lo que llama «los puntos de anclaje», es decir, el control de esas referencias anatómicas que le permiten comprobar continuamente las medidas y las proporciones en su conjunto.
La tercera generación de artistas profesionales, Lisa Egeli, ha realizado un pequeño paisaje al óleo que ha sabido interpretar sin seguir servilmente la referencia fotográfica. Es una cualidad que ha desarrollado a lo largo del tiempo observando y contemplando la naturaleza hasta hacer suyas sus leyes, consiguiendo así modificar los paisajes a su gusto.
A pesar de ser una extraordinaria retratista, Lisa Egeli vive en una relación simbiótica con la naturaleza. La razón hay que buscarla en la infancia que pasó al aire libre, lo que le permitió afinar todos sus sentidos y transmitir en el lienzo las diferentes sensaciones, no necesariamente visuales.
El carácter especialmente sensible de Egeli se debe también a la calma con la que aborda la pintura: para poder transmitir sentimientos y emociones, la artista debe estar en total armonía con su entorno, y el pequeño cuadro realizado para la sesión es una prueba de ello.
En la ejecución del paisaje marino, que constituye el estudio para una futura composición a mayor escala, Egeli siguió los principios básicos de la composición, que interpretó evitando colocar elementos centrales o «tangentes fuertes» que tienden a orientar la narrativa del cuadro. Durante la demostración resultó especialmente interesante la forma en que el artista pintó ciertos elementos visuales que aparentemente contradicen las reglas de la naturaleza, como las pinceladas verticales para representar el movimiento del agua. Pinceladas que pueden resultar insólitas cuando se piensa en la superficie horizontal del mar, pero que cobran todo su sentido cuando son dispuestas intencionadamente por el artista, que las consigue ejerciendo un control total del pincel: una característica que Egeli describe como muy importante para un artista. Sus pequeñas pinceladas verticales se convierten así en música del mar que el observador es capaz de sentir al contemplar el cuadro y, de hecho, entrar en su mundo.
El artista Alex Kelly, por su parte, hizo la demostración floral en el estreno de una rosa amarilla de Austin. En la ejecución del cuadro, Kelly realizó un bloqueo de formas en el que luego simplificó los valores tonales, las luces y las sombras y, por último, oscureció el fondo para resaltar la rosa en todo su esplendor. Si en las primeras fases del cuadro trabajó con pincel y espátula, en la fase final utilizó una herramienta más adecuada para un entorno culinario que artístico. Es en la elección de esta herramienta -una simple espátula de cocina de silicona- donde Kelly muestra cómo la creatividad en el arte puede servir a su propósito. En efecto, la consistencia de la espátula ofrecía a Kelly la posibilidad de desdibujar y cortar los bordes de una manera casi abstracta, pero perfectamente en armonía con la composición realista, que reproducía a la perfección el sentido de la gravedad de los pétalos de rosa en toda su fragilidad.
En la realización de la demostración, Alex Kelly reiteró en varias ocasiones su mantra, que consiste en unos pequeños trucos que hay que adoptar durante el proceso de composición: entrecerrar los ojos (para simplificar los valores), saber manejar las relaciones entre los valores tonales y cromáticos, y dar tres pasos hacia atrás del cuadro para tener una visión global de la composición.
Un problema personal imposibilitó la esperada participación de Glenn Vilppu, defensor del mantra: «no hay reglas sólo herramientas». Vilppu ha sido capaz de trasladar los cánones del dibujo renacentista al campo de la animación de Disney y Marvel, recibiendo en marzo de este año los prestigiosos premios Amy de la industria del cine de animación de Hollywood.
Entre los patrocinadores del día se encontraban las demostraciones de la talentosa Kate Zambrano, que creó una obra en carboncillo y acuarela para Savoir-Faire, y Zhenya Gershman para Blick Art Materials, que mostró cómo crear bellas texturas en sus gigantescas composiciones.
Entre los bienvenidos y apreciados invitados de la jornada se encontraba Nancy Atherton West, fundadora de Dreamlinerartist, el grupo de Facebook inspirado en Streamline Art Videos y Eric Rhoads, pero no afiliado oficialmente a ellos. Puedes unirte o simplemente consultar este creciente grupo de Facebook escribiendo el siguiente enlace: https://www.facebook.com/ events/1169818827302943/
El primer día de Realism Live ha llegado a su fin y Miami Niche espera conocer más artistas increíbles mañana.
(on the title: Peter Trippi’s portrait by Michelle Dunaway)
