This post is also available in:
El Día del Principiante, apropiadamente rebautizado por Eric Rhoads como «Día del Principiante/Refrescante», es el evento opcional que permite profundizar en la terminología y los fundamentos necesarios para asimilar perfectamente las sesiones de demostración que se celebran durante la convención oficial.
Los presentadores oficiales de la tercera edición de Realism Live fueron, como siempre: Eric Rhoads, -The Man- empresario, showman y fundador de todos los eventos de Streamline Publishing, y Peter Trippi, editor jefe de Fine Art Connoisseur Magazine, director de museo y destacado estudioso del arte académico europeo del siglo XIX y principios del XX.
Partiendo del deseo de crear una «Disneylandia para artistas», Rhoads deja claro que el objetivo de los eventos de Streamline Publishing es ofrecer a todos los participantes la oportunidad de redimirse como artistas. Y para lograr este objetivo, en cada evento consulta a una lista de artistas de renombre internacional, reconocidos no sólo por sus méritos artísticos sino también por su capacidad de enseñar. Sin embargo, la adquisición de habilidades técnicas no es el único objetivo de la convención, ya que hacer arte no sólo aporta beneficios mentales, sino que también ayuda al cerebro a mantenerse joven, lo que también influye en el bienestar físico. Lo importante, según Rhoads, es empezar con lo que se ha convertido en su mantra a lo largo del tiempo: «Hoy estoy abierto a aprender más y a empujarme más allá de mi zona de confort, así que puedo hacerlo.
Haciendo hincapié en que el retrato representa una de las formas más sublimes del realismo, Peter Trippi presentó al primer gran artista de la época: Oliver Sin.
Ganador de numerosos premios y autor del libro «Drawing the Head for Artists», Sin creó un retrato femenino utilizando carbón vegetal: un medio que el artista aprecia especialmente por su versatilidad.
Al reiterar la definición técnica de los «valores», que en términos técnicos son más importantes que el uso del color, Sin afirma que los valores tonales sirven para crear un punto focal, basado esencialmente en el contraste de luces y sombras. Estos elementos permiten que la imagen en papel se convierta en tridimensional.
Para comprender la importancia de los valores, el artista recomienda una escala de valores tonales. Mientras que la escala tonal consta convencionalmente de nueve valores, Sin ha simplificado el proceso limitándose a una escala de cinco valores en la que ha colocado: el valor más claro (1) en los extremos y el valor más oscuro, que tiende a oscurecerse aún más como resultado de los repetidos cruces (5), el tono medio (3) en el centro y los dos semitonos resultantes (2 y 4). «Referirse constantemente a la escala tonal, entrecerrar los ojos y no centrarse en los detalles en las primeras fases de un retrato son procesos esenciales para definir correctamente los valores tonales de una composición realista sólida», argumenta Sin.
Apreciada estrella del último Pastel Live, Carol Peblees realizó una demostración sobre cómo construir de forma realista uno de los componentes más difíciles de la anatomía humana: la mano. Además de la clase teórica, basada en la explicación de dibujos preparatorios y bocetos realizados previamente, Peblees realizó una demostración en la que practicó los cinco puntos esenciales que considera fundamentales en la construcción tanto de la mano como del pie. Los puntos son: los gestos y su ritmo lineal que ayudan a comprender la relación entre las partes; la definición de las masas para las formas grandes; la definición de la línea de los nudillos y las falanges; la definición de lo que ella llama «bad-boys», los dedos divergentes, en relación con el resto de la mano; y los puntos de color más oscuro que ayudan a definir el perímetro, las superficies, los espacios negativos y la presión de la mano sobre las superficies. «Sugiero que todos dibujen su mano en diferentes ángulos utilizando esta técnica», aconsejó el artista al final de la conferencia.
«La mezcla de colores es un viaje», dijo la artista Sarah Sedwick, que explicó la teoría del color en su sesión de demostración creando una obra de naturaleza muerta con una paleta limitada a los tres colores primarios más el blanco. Sedwick hizo la demostración a partir de lo básico para lo cual compuso una paleta increíble. Es sorprendente ver la cantidad de combinaciones de colores que se pueden conseguir utilizando sólo los tres colores primarios más el blanco.
El proceso de premezcla de colores es también el secreto del éxito de sus obras, confiesa el artista, que declara: «¡el tiempo dedicado a mezclar es tiempo dedicado a pintar!» «¡El tiempo que se pasa mezclando es tiempo que se pasa pintando!» En efecto, el proceso de mezcla lleva mucho tiempo de preparación, pero para Sedwick, visualizar todos los colores necesarios para el cuadro es crucial para proceder correctamente, ajustando la toma en el proceso si necesita corregir un valor tonal o cromático.
Después de establecer una base para el cuadro, la artista comenzó, como suele hacer, con los colores más saturados, que le ayudan a definir la composición, donde cualquier percance en el camino es bienvenido porque, como dice la artista: «Nunca hay que tener miedo de corregir el cuadro».
Según Todd M. Casey, hay dos enfoques diferentes de la pintura: el óptico y el conceptual. En la rica sesión de demostración del día, el artista demostró la perfecta síntesis de estos dos enfoques.
Después de demostrar los múltiples pasos en la realización de la composición refiriéndose también a los siete principios sánicos mencionados por Maitland E.Graves en su libro, The Art of Colour and Design» (equilibrio, movimiento, partes, énfasis, contraste, ritmo y unidad), Casey quiso centrarse en la realización final de los limones en primer plano. «En la elección de los colores, trato de acercarme a las relaciones que veo», dijo el artista, que colocó pequeñas manchas de color que dispuso como si fueran baldosas, evitando mezclarlas en la medida de lo posible. Colores que varían según la perspectiva y la luz y que resaltan la cáscara de los limones como si fuera palpable al tacto. En la ejecución de los cítricos, se centró en las leyes físicas que rigen la refracción de la luz en la superficie de los objetos y las sombras como si fueran esferas. Utilizando un lenguaje técnico, Casey quiso introducir a los participantes en todos aquellos conceptos que él había experimentado y explicado maravillosamente en la demostración y que están contenidos en su último libro: ‘The Oil Painter’s Color Handbook (A Contemporary Guide to Colour Mixing, Pigments, Palettes, and Harmony)’, también disponible en el sitio PaintTube en el siguiente enlace: https://painttube.tv/products/todd-m-casey-oil-painters-color-book-hardcover junto con una amplia gama de vídeos, libros y herramientas para artistas.
Especializada en la simplificación de conceptos a veces muy complejos, como la creación del cabello, la artista Sandra Angelo creó una demostración inusual y muy interesante sobre un tema que no suele tratarse en las convenciones: la creación de un cabello realista. «La razón por la que elegí explicar este tema es que si se conocen los trucos todo es más fácil de conseguir», dijo el artista. Utilizando sólo una goma de borrar eléctrica y una gama de lápices de dureza variable, comenzó con capas ligeras (F, B, HB) con las que establecía las formas, y luego fue añadiendo gradualmente lápices medios (2B y 3B para los tonos medianamente claros; 4B y 5B para los tonos medianamente oscuros) y lápices aún más oscuros (6B, 7B, 8B).
El uso de una gama completa de lápices marca una gran diferencia porque se consigue un contraste que añade profundidad al dibujo. Sandra Angelo sostiene que copiar y emular a los antiguos maestros es de suma importancia. Sólo practicando mucho es posible llegar a crear una composición con una narrativa completamente personal. «Si practicas, tu cerebro recibe información y sabes qué hacer cuando te encuentras en situaciones difíciles porque la práctica ayuda a construir la intuición», dijo el artista.
La última artista de la jornada de iniciación/recuperación, Debra Huse, creó una pintura al óleo de un paisaje: una pequeña joya de su imaginación. Una pintura que fue posible gracias a los conocimientos afinados durante sus largos años de pintura plein-air. Lo que llama la atención de Huge, además de la maestría con la que varía la luz y los elementos de la composición, es la manera decisiva con la que consigue crear una escena maravillosa en términos de luz y perspectiva con unas pocas pinceladas. El resultado es una obra magistralmente realista que crea a partir de un gran cuadrado en el que inserta los elementos compositivos simplificados en grandes formas y luego los elabora hasta completarlos. «Un paisaje bellamente evocador que evoluciona con cada pincelada», describió su obra un participante.
Entre los diversos patrocinadores de los eventos de Stremaline Publishing, no faltó Pierre Guidetti, rostro de Savoir Faire y embajador de marcas históricas como Sennelier, Cretacolor y Fabriano, quien, como es su estilo, organizó una sesión llena de ideas tanto informativas como prácticas. Por otro lado, Blick Art Materials para el día del principiante contó con las manos expertas de la artista Julie Swanson Davis para una demostración con lápices de colores Blick.
La jornada de iniciación/recuperación ha llegado a su fin y Miami Niche te espera mañana para el inicio oficial de la LIve de Realismo.
(on the title, a frame from Todd M. Casey demonstration)
