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A la cálida bienvenida de Michael Shane Neal, presidente de la junta directiva de la Portrait Society of America, siguieron las melodiosas notas de los músicos que acompañaron las palabras de Mary Whyte, un personaje muy querido por el público.
Mary Whyte pronunció un discurso sencillo y sincero. Lo hizo de la misma manera que hizo los cincuenta retratos de los veteranos de Estados Unidos, uno por cada estado. Lo hizo con honestidad, consciente de las historias de las mujeres de Carolina del Sur, zona a la que se había trasladado en su juventud para estudiar. Whyte relató los viajes que realizó sin que nadie lo supiera -excepto sus allegados-: recorrió toda América en busca de testigos, cuyas historias, a veces dramáticas, le permitieron redescubrir su gran amor por su patria, América. Al son de una melodía de Ennio Morricone, inspirada en la película «Misión», el artista contó las historias de veteranos de guerra, la mayoría de ellos marines. Historias hechas de perseverancia, coraje y esperanza que quiso retratar sin ningún prejuicio de edad o de origen social. La obra de Whyte constituye el proyecto: «We The People: Portraits of Veterans in America», y fue realizada íntegramente en acuarela, incluso en grandes formatos de hasta 3 metros.
La acuarela es, de hecho, el medio preferido de la artista y lo encuentra igualmente estimulante y desafiante. Mary Whyte espera que las obras del proyecto puedan permanecer juntas en el futuro, tal y como fueron concebidas y presentadas en el libro del mismo nombre. Los asistentes a El arte del Retrato tuvieron la oportunidad de que se les firmara el libro en zonas específicas en dos momentos del día.
Actualmente, tras una exposición itinerante por todo el país, las obras del proyecto: «We The People: Portraits of Veterans in America», se exponen en el Museo Nacional del Cuerpo de Marines, en Virginia.
La artista, basándose en su propia experiencia personal, en la que no faltaron momentos de desánimo, animó a los participantes a superar sus momentos de negatividad y, citando la frase que solía repetirse a sí misma – «Sigue adelante, tienes que terminar lo que has empezado»-, animó al público a encontrar su propia originalidad en la búsqueda de lo esencial, porque, como dijo la artista, «no es tanto lo que pones en el cuadro como lo que no pones, lo que refuerza su significado».
La amistad entre Michael Shane Neal y Michelle Dunaway viene de lejos, como se demostró en la sesión de demostración de la conferencia, titulada: «El borde perdido de la realidad».
Michael Shane Neal y Michelle Dunaway tienen algunas cosas en común: ambos se convirtieron en portavoces de sus mentores, respectivamente Everett Raymond Kinsler, de quien fue protegido Shane Neal, y Richard Schmidt, pionero de la pintura Alla Prima.
En una sociedad cada vez más desquiciada, es agradable escuchar a Michael Shane Neal referirse a Kinsler como «Mr. Kinsler» porque es sintomático de la devoción que aún hoy une al alumno con el maestro.
Los dos artistas demostraron cómo la importancia de los bordes en la composición -bordes que pueden ser duros o suaves/borde perdido y encontrado- desempeñan un papel crucial en la creación de una atmósfera compositiva. Los artistas abordaron el retrato de maneras completamente diferentes: Michael Shane Neal comenzó su trabajo con la creación de grandes formas, mientras que Michelle Dunaway empezó por definir los detalles del rostro. Esta comparación puso de manifiesto la riqueza conceptual de la conferencia de la Portrait Society of America, en la que artistas igualmente importantes abordaron el arte de una manera completamente diferente, sin transgredir los conceptos básicos del arte -la importancia del dibujo y los valores- que son fundamentales para crear una composición sólida y realista.
La pausa entre las sesiones de demostración de la mañana y de la tarde permitió a los participantes admirar los «trabajos en curso» de Tina Garrett y Wende Caporale, que durante todo el día, en la sala de exposiciones, crearon un retrato de tamaño natural de la misma modelo utilizando dos «sensibilidades» y medios diferentes: el óleo y el pastel.
Las sesiones de la tarde y de la noche se organizaron de forma que los participantes pudieran elegir el tema en el que querían profundizar a través de sesiones de demostración específicas desarrolladas en paralelo, que también incluían una sesión de dibujo práctico. Durante las sesiones de dibujo, denominadas genéricamente: «Fortalecimiento de las habilidades de dibujo» y activas todos los días de la conferencia, hubo artistas que ofrecieron su experiencia y consejos prácticos en el transcurso del trabajo. El grupo de la tarde incluía, en rotación: Gregory Mortenson, Ron Hicks y Elizabeth Zanzinger; mientras que el grupo de la noche incluía: Kevin Chambers, Joseph Daily, Richard Christian Nelson y Ann Moeller Steverson.
Entre otros talleres, Jeff Hein y Mary Qian demostraron cómo en la Unidad de Color, Armonía y Forma es necesario establecer los valores tonales generales de las formas, que luego se refinan de forma totalmente subjetiva: más enérgico y vigoroso para Qian y más racional y moderado para Hein. «Todo en la composición es relativo a la escala personal de prioridades», dijo Jeff Hein, refiriéndose en su caso a la luz.
El talante natural de Seth Haverkamp -decididamente pro-positivo- le ha convertido en todo un personaje: es agradable de escuchar y tiene una sinceridad desarmante cuando se trata de información técnica. En la demostración de la tarde, titulada «Exploración del proceso», Haverkamp reiteró la necesidad de considerar las formas como simples líneas, sin dejarse intimidar por las preconcepciones parasitarias que el cerebro inculca a base de conocimientos. A medida que avanzaba la composición, Haverkamp creaba sólo un elemento a la vez, que, una vez estudiados los factores de luz y sombra, armonizaba en relación con el resto de la composición. Haverkamp prestó especial atención a la creación del fondo, sobre el que aplicó una capa de Liquin -un medio semibrillante que acelera el secado, mejora la fluidez y reduce la retención de las pinceladas en las pinturas al óleo- que le permitió evitar el uso de otros medios en la aplicación del color.
En nuestra época, y sobre todo después del largo periodo de pandemia, la necesidad de comunicarse a través de lo digital se ha hecho sentir más que nunca. Esto llevó a Anna Rose Bain, Mardie Rees, Adrienne Stein y Ann Moeller Steverson a debatir una sesión explicativa titulada: «Presentar su trabajo en la era digital». Basándose en la experiencia personal y con datos numéricos en la mano -que, en el caso de Stevreson, cuentan con unos 17 millones de seguidores en TikTok-, los ponentes ofrecieron consejos útiles y elementos de reflexión sobre cómo moverse en las redes sociales, qué caminos tomar y qué evitar.
En la reunión de la tarde, la precoz Suchitra Bhosle y la ecléctica Kerry Dunn centraron la atención del público en «La interpretación de la belleza del cuerpo». Los dos artistas tienen trayectorias y visiones artísticas completamente diferentes, lo que resulta evidente con sólo mirar la superficie del lienzo: blanco titanio para Bhosle y verde guisante para Dunn. Bhosle, de origen indio, ganó una medalla de oro en un concurso mundial de arte patrocinado por la UNESCO a la edad de nueve años; Kerry Dunn estudió en el Studio Incamminati con Nelson Shanks, donde todavía da clases. La realización del desnudo femenino fue muy diferente para las artistas: para Bhosle, que admitió que no podía recordar los nombres anatómicos específicos de las partes del cuerpo, fue una clara inspiración visual, una especie de «Painting Alla Prima»: «Intento encontrar primero mi proporción y luego el resto viene solo», dijo Suchitra Bhosle. Dunn, por su parte, sigue el método enseñado por Charles Bargue en la academia y basado en el bloqueo de grandes formas que ha realizado de forma totalmente abstracta. Kerry Dunn trató de establecer la geografía anatómica de la figura afirmando que: «El conocimiento de la anatomía humana ayuda mucho, pero no salva de un error al dibujo, que puede evitarse aplicando verdaderos sistemas de medida, como los ángulos».
La apretada agenda de actos marcó el día con las celebraciones del 24º aniversario de (el) Arte del Retrato, incluido el encuentro de los finalistas del Concurso de Retratos. A continuación, el público participó en la esperada «6 x 9: Tamaño limitado, talento ilimitado – Una venta de arte misteriosa», en la que los artistas ofrecieron obras extraordinarias para apoyar a la Portrait Society of America. Posteriormente, a través de una subasta silenciosa, los asistentes también tuvieron la oportunidad de adquirir las obras creadas por los dieciocho artistas durante el FACE-OFF de ayer por la tarde. Tanto la Venta de Arte Misterioso como la subasta silenciosa son una forma extraordinaria de que los participantes se lleven a casa no sólo un recuerdo que marque los pasos de este evento, ahora en su 24ª edición, sino también una valiosa obra de arte creada por algunos de los artistas más importantes del panorama artístico estadounidense e internacional.
El día ha llegado a su fin y Miami Niche espera verlos mañana, como siempre, para saber más sobre el detrás de escena de El Arte del Retrato. Síganos.
(On the title, Michael Shane Neal and Michelle Dunaway at the end of the demo, The Lost and Found Edge of Reality)
