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Giovanni Segantini, 1858-1899, fue un gran pintor italiano capaz de revelar nuevas sensaciones artísticas que contribuyeron a hacer de su personaje una leyenda: de hecho fue capaz de transformar los acontecimientos negativos de su vida en obras de arte. Nacido en Trentino, Segantini quedó huérfano de madre a los 7 años y perdió a su padre al año siguiente. Vivió su infancia en la pobreza y la soledad con grandes carencias emocionales y, a pesar de ser enviado a vivir a Milán con su hermana, huyó para terminar en un reformatorio, donde un capellán, al notar su habilidad para el dibujo, lo puso en cursos nocturnos en la Academia de Brera.
Su vida de «sufrimiento» fue el terreno fértil en el que consiguió endurecer su carácter y crear el equilibrio de su vida como hombre y como artista. En el momento de su servicio militar se había negado a servir bajo los austriacos (Trentino fue anexionado a Italia después de la Primera Guerra Mundial) por lo que se vio obligado a exiliarse en Suiza para evitar la pena de muerte. Para Segantini, el exilio fue otra razón de castigo que pudo rechazar a su favor: su aislamiento forzoso hizo aún más misteriosas sus obras artísticas que, a diferencia de él, circulaban por Europa, y este factor alimentó aún más su leyenda como hombre dedicado a la naturaleza.
El tema artístico favorito de Segantini era, de hecho, la naturaleza, seguido de la representación de la muerte. Pero si para la muerte el dolor de los supervivientes era el tema de los cuadros, plasmado a través de paisajes sombríos y silenciosos manto de nieve, la naturaleza representaba para Segantini el camino redentor sobre el que proyectar su tormento, imaginario y muy rico, que era capaz de sublimar los traumas de la infancia a través del arte. La naturaleza era también el punto de apoyo en torno al cual giraban sus variaciones artísticas: desde la pintura tonal para la representación de las nieblas de Milán, pasando por el simbolismo, con la identificación visceral entre madre y naturaleza, hasta el divisionismo con el que devolvía la luz a los paisajes alpinos, que el artista llevaba dentro de sí hasta el punto de ser definido «El pintor de las Montañas».
En sus obras Segantini nunca partió del concepto para llegar a la imagen, sino más bien al contrario, dada su dependencia de la realidad: «Lo que arrastra y fascina mis pensamientos es el inmenso amor que tengo por la naturaleza», dijo el artista. La despedida de Segantini de la pintura de género llega con el divisionismo italiano basado en sus obras sobre «filamentos de color» dispuestos empíricamente sobre la base de leyes ópticas. Abrazando el divisionismo Segantini evoca el simbolismo de la realidad rural de una manera muy personal: ilumina la escena desde una fuente de luz opuesta a la del sol, obteniendo un efecto «reflector» que ilumina las sombras, permaneciendo fiel a la composición claroscura del cuadro. Segantini, que solía pintar desde la naturaleza, casi siempre sin pinturas preparatorias, fue considerado el mayor precursor italiano del arte moderno.
Gracias a su amigo Grubicy, que le proporcionó material durante su exilio, permitiéndole estar al día con los tiempos, Segantini pudo conocer el realismo del que se desprendió rápidamente porque para él no había clases sociales que promover, sino que todos los individuos formaban parte por igual de la naturaleza y sólo podían ser retratados si su tormento encontraba en su alma una respuesta personal. Segantini es recordado como uno de los artistas más famosos e influyentes de Europa a finales del siglo XIX y sus pinturas forman parte de importantes colecciones y museos, entre ellos el Museo Segantini de Saint Moritz. La obra seleccionada se realizó cubriendo una obra anterior: «Mai Assolta» (Nunca Absuelto), de fuerte impacto anticlerical, realizada entre 1882 y 1883 y que hoy en día sólo es visible en el examen radiográfico. La obra, «una obra maestra absoluta», como la definió la crítica, marca la despedida de Segantini de la pintura de género.
El refinado simbolismo con el que el artista representa a un solitario y reflexivo sacerdote subiendo las escaleras de la iglesia tardobarroca de un pueblo lombardo, absuelto en su silencio y soledad, parece cuestionar el hecho de que la respuesta a las preguntas esenciales no puede ser dada por las religiones oficiales. La estructura horizontal del cuadro da solemnidad a la obra no por la narración sino por el medio pictórico con el que Segantini pintó el cielo o los gastados escalones que conducen directamente al borde del escalón superior. Segantini, que estaba muy alejado de la creencia cristiana, aunque en sus excursos pictóricos se refería a menudo a la típica devoción religiosa cristiana, dijo en referencia a la religión: «Nunca busqué un Dios fuera de mí porque estaba convencido de que Dios estaba en nosotros y que cada uno de nosotros es parte de Dios como cada átomo es parte del universo», refiriéndose al universo como la naturaleza: madre y madrastra. Esta afirmación da coherencia a toda su producción pictórica.
